24 Imágenes por Segundo

Gerry Anderson: ¿El hombre que amaba a las marionetas? 1º Parte

2010-12-07T09:14:00.005+01:00

Quizás a muchos de vosostros el nombre de este caballero os suene a chino. Pero si digo que es el padre de los Thunderbirds, Capitán Escarlata o el artifice de series tan mitómanas como Espacio 1999 o U.F.O a más de uno ya le sonará saber de quién estoy hablando. Su pasión por la ciencia ficción estaba tan al limite como su obsesión por las maquetas, los decorados de cartón piedra o los animatronics en forma de muñecos manipulados por hilos y palancas. Podría decirse que su máximo rival en aquellos momentos (estoy hablando de la década e los 50 a los 70) era el maestro Ray Harrihausen grande entre los grandes dentro del arte del Stop Motion. Aunque si bién ambos utilizaban maquetas y muñecos Anderson hacía escaso uso del fotograma a fotograma y todas sus criaturas se movian descaradamente con los típicos hilos de pescar.
Nacido como Gerald Alexander Abrahams el 14 de abril de 1929 en el pueblecito de Kilburn, al norte de la cuidad de Londres, Gerry vivió rodeado del ambente militar. Lionel su hermano mayor era piloto de la RAF destinado en los EEUU en la base aerea de la USAF Thunderbird Field. Fue su madre (de origen Polaco-Ruso) la que cambió el apellido Abrahams por Anderson ya que para ella sonaba mucho más agradable.
Gerry comenzó su carrera en el campo de la fotografía militar. Después de la Segunda Guerra Mundial entró a formar parte del la British Colonial Film Unit, donde se despertó en él un interés casí obsesivo hacia el arte de la edición cinematográfica. Con el tiempo entró a formar parte de la prestigiosa Gainsborough Pictures dónde adquirió una gran experiencia. Lamentablemente el estudio se declaró en quiebra en 1950 y Gerry tuvo que dedicarse a trabajar de forma independiente. Durantes este periplo conoció a Arthur Provis otro operador cinematográfico y junto con Reg Hill y John Read crearon la Pentagon Films en 1957. Allí conocería a Sylvia Thamm que se convirtió en su segunda esposa y socia. Pentagon acabó desintegrandose y Anderson y Provis formaron una nueva compañía llamada AP Films. Su primer trabajo en la nueva compañía fue para Granada Television, en una serie infantil llamada The Adventures of Twizzle (1957-1958) Su protagonista era una muñeca con la peculiar habilidad de poder estirar sus brazos y piernas hasta grandes longitudes. Ese fue el primer trabajo de Anderson con títeres y sin duda el germen de su larga y exitosa carrera.
Tras The Adventures of Twizzle llegó otra serie de títeres de bajo presupuesto llamada Torchy the Battery Boy (1958-1959) donde colaboró con el titiritero Christine Glanville, el técnico en efectos especiales Derek Meddings y el arreglista musical y compositor Barry Gray.

Resulta curioso destacar que a Anderson siempre estuvo bastante descontento acerca de tener que trabajar con títeres. Si bien le dieron renombre y exito para él no eran más que la base sobre la que iría edificando su máxima ambición, hacer película de acción con actores de carne y hueso.
La tercera serie de produccion para la AP Films fue Four Feather Falls (1959-1960). Dicha serie fue la primera en la que de Anderson hizo un uso primitivo del que luego llegó a conocerse como Supermarionation.
Por aquellos tiempos Anderson aceptá la oferta para dirigir una película para Anglo-Amalgamated Studios llamada Crossroads to Crime, era un película de suspense de muy bajo presupuesto aquello le animó para que se le abriese la puerta al mundo de cine pero la cinta fue un fracaso de taquilla.
Con el tiempo la APF entró a formar parte de la compañía ATV (entre otras cosas porque APF estaba en quiebra) Allí fue donde tomó contacto con Lew Grade quién le produciría gran parte de sus exitos.

Diario de un adicto al cine 2: ¡El 3D ha llegado!

2010-12-07T09:05:00.005+01:00

Y lo hace para quedarse en nuestros hogares. Lo curioso es que en un principio parecía destinado a formar parte exclusivamente del mundo del cine, pero parece ser que ha encontrado un perfecto campo de cultivo en el terreno del ocio digital. No, si ya lo decía un sabio: "En el universo de los videojuegos hay sitio para todo". Ya hay en el mercado unos cuantos títulos con este formato (no exclusivo pero sí con la opción de activarlo) Al contrario de los distribuidoras de películas que simplemente o bien convierten una obra de un formato a otro (con horrendo resultados) o bien le pegan la etiqueta 3D a cualquier cosa, ya sea una drama de Romher o una superproduccion de Michael Bay, los señores de los videojuegos, rápidos como liebres han depositado todo su esfuerzo en ofrecer al jugador, a modo de suculento plato, una nueva perspectiva de sus juegos favoritos. El falso 3D al que nos tenían acostumbrados ahora es algo caduco. El de ahora es real. Tiene profundidad, volumen y ofrece la sensación casi completa de inmersión al que lo juega. Títulos como Call of Duty: Black Ops, Pain, Little Big Planet o el espectacular Motorstorm ya pueden jugarse utilizando gafas frente al televisor (que soporte las tres dimensiones) Debido a mi trabajo son muchos los que me preguntan si merece la pena adquirir uno de estos aparatos. Mi respuesta es la siguiente: Si necesitas cambiar la televisión porque esta ya es vieja es una buena opción, aunque el uso de las gafas sea algo incomodo. Pero, cambiar un televisor nuevo simplemente por cambiar de tecnología no lo recomiendo, por lo menos no de momento.
Ya han comenzado a anunciarse las nuevas televisiones sin necesidad del soporte de gafas, Toshiba ha sido una de las primeras marcas en dar ese salto. Por otro lado, también han aparecido otras máquinas capaces de soportar esta tecnología. Panasonic y Sony ya han invadido el mercado con cámaras de foto o vídeo 3D (veremos que utilidad le podremos dar a dichos inventos porque ver las fotos o grabar la comunión de los críos o ese viaje a Benidorm del INSERSO en formato 3D puede ser mucho más mareante que ver El Proyecto de la Bruja de Blair y Rec ambas de un tirón)

After.Life: ¡Tu estas muerta pero no te da la gana!

2010-11-04T13:24:00.006+01:00

Hay películas que no parecen películas y esto le sucede a la obra de Agnieszka Wojtowicz-Vosloo 2009. A ver, no se trata de un documental, ni nada que se le asemeje, sino que podría decirse que tiene pinta de telefilme (película menor) de esas que echan en la televisión los domingo por la tarde, eso sí toda ella poblado por estrellas de la talla de Crhistina Ricci, Liam Neeson o Justin Long.

La historia que narra After.Life es bien sencilla y parece salida de un episodio de Los Limites de la Realidad. Anna Taylor es una profesora de primaria que vive una vida muy normal trabajando en lo que realmente le gusta y comprometida con un yuppie llamado John Coleman al que acaban de ascender e invitarle a tomar las riendas de una nueva empresa en otra ciudad lejana. En una cena intima él se lo hace saber a ella invitándola a que le acompañe cosa que la joven rechaza y para más inri acaba cabreada como una mona abandonandolo con el plato en la mesa. De camino a su casa sufre un aparatoso accidente y de repente despierta en lo que ella cree ser un quirófano lo cual descarta al observar que a su alrededor no son hay más que coronas de flores, ataudes y demás parafernalia funerarias. Aterrorizada trata de huir pero no consigue nada ya que el dueño de la susodicha funeraria le dice que no puede hacerlo ya que está muerta. A partir de entonces la película se mueve entre la lucha entre la vida y la muerte (sobre todo por aceptarla) y la santa paciencia de un ser atormentado por un don que le hace sentirse solo y único (de momento)

Insisto mucho en que machacar que esta película no es una maravilla, pero vamos, entretener entretiene y un buen rato, sobre todo viendo a la esplendida Ricci deambulando semidesnuda por la morgue, llena de cadáveres y preguntándose en todo momento si realmente está muerta o bien forma parte de un macabro delirio psicótico del dueño de la funeraria (interpretado por Neeson)

Aunque se ve venir a mil leguas la conclusión de la trama he de reconocer que hay momentos en los que te hace realmente dudar de si lo que ves es cierto o bien te están engañando como si fueras un tonto. After.Life es un duelo interpretativo entre Ricci y Neeson y ambos cumplen con su cometido y parecen estar pasándoselo en grande. Luego, claro está hay que mencionar a los secundarios como Justin Long, el sufrido novio de la Ricci (que se niega a admitir que su amada está muerta, sobre todo porque se siente culpable de su accidente) o el inquietante Chadler Canterbury que hace de uno de los alumnos de la protagonista y que tiene muchos puntos en común con el personaje de Haley Joel Osment en El Sexto Sentido (M. Night Shyamalan, 1999)

Monsters: Si tu no los molestas ellos no te molestan...

2010-11-04T12:38:00.003+01:00

Con esta frase tan fugaz (pero muy certera) basa toda su esencia la séptima película de Gareth Edwards que ya nos deslumbró en 2005 con el docudrama Hiroshima. Lo cierto es que cuando uno va al cine a ver una película con semejante título quizás piensa que se va a encontrar con una obra más de acción y alienigenas a mansalva, o con una copia barata de Cloverfield (Matt Reves, 2008) o de District 9 (Neill Blomkamp, 2009) nada de eso, Monsters brilla por su cuenta aportando en su totalidad una interesante visión de lo que supone vivir rodeado de monstruos.
Monsters narra las desventuras de una pareja norteamericana interpretados por Witney Able y Scoot McNary que deberán cruzar territorio alienigena (que se encuentra entre los Estados Unidos y México) para llegar sanos y salvos a casa. Al principio ambos personajes son más bien opuestos, él acepta a regañadientes la tarea de llevar a salvo a la hija de su jefe, un multimillonario de la prensa, a cambio de dinero y un reportaje y ella (típica niñata rebelde) ve todo como una divertida aventura hasta que se acerca a las vallas electrificadas que delimitan ese territorio salvaje e inhóspito al que se han de adentrar. Una vez dentro la vida no será igual para ninguno de los dos.
Monsters es una película de un viaje mas que una película de monstruos. Éstos aparecen, pero podría decirse que son lo de menos. No son en absoluto los protagonistas, apenas se ven y salvo por un par o tres de escenas no aportan nada de acción a la trama, cosa que hasta se agradece.

Podría decirse que la película tiene una doble lectura, mucho más profunda e inteligente sobre la invasión de una nueva especie. Sobre todo si la comparamos con la situación actual, donde los choques entre culturas hacen que ciertos sectores se sientan incómodos. Lo que más me llamó la atención de este titulo es si bien en un bando (mexicano) se toman la invasión extraterrestre como algo más natural (dentro de lo agresivos que llegan a ser los cefalópodos gigantes del espacio exterior que habitan la película) los EEUU son mucho más drásticos, ¿podría decirse lógicos?, que sus vecinos afectados, esos muros de piedra gigantes que emborronan el horizonte son muestra de ello, aunque luego éstos no sirvan para nada. Los espaldas mojadas de ocho payas son tan escurridizos como los de dos. Interesante es también el planteamiento inicial de la trama (lleno de detalles) y convirtiéndolo en un bucle sin fin.

Monsters no es una película recomendable para el publico devorador de palomitas y efectos especiales, sino para amantes del cine social e intimista. Una película que bien podría haber hecho John Syles o incluso Lars Von Trier con idénticos resultados.

Confesiones de un adicto al cine 1. Filmotecas de andar por casa

2010-06-16T18:16:00.009+02:00

No soy el único en este planeta que amo al cine casi por encima de todas las cosas. Siento fascinación por el celuloide (aunque ahora se usen otros medios) desde mi mas tierna infancia y aunque ya no acuda tanto a las salas de cine (entre otras cosas por el precio de las entradas, la mala educación de los asistentes y el olor a nachos con queso) sigo viendo cine hasta que me sangran los ojos.
Pero no sólo eso, me gusta ver cine y me gusta coleccionarlo. Soy comprador compulsivo de cine (ojo no de cualquier cine) si no de aquel que me gusta y que mantiene una calidad digna para no destruir más neuronas de las necesarias.
He de reconocer que en mi colección (de más de 3.400 títulos) hay de todo. Desde la prehistoria del septimo arte, grandes clásicos, cine palomitero de los 70 y 80, cine para sibaritas y hasta modernidades estruendosas casi recién estrenadas.
He de confesar que de cine actual son pocos los estrenos que abarroten mis estanterías (las cuales se han curvado hasta llegar a rozar grados de verdadera angustia) En primer lugar debido a que pocos productos merezcan la pena y segundo porque siento mucha más devoción por el cine del pasado. Soy muy cuidadoso con mi filmoteca. Tengo una serie de reglas básicas, mandamientos inquebrantables: El principal, el más lapidario y causante de algún que otro conflicto ha sido el de "No prestar nunca". Os aseguro que a los albores de mis andaduras con el DVD había incluso quien me había llegado a tomar por su videoclub particular; malas caras, muchas, yo siempre recurría a eso de reprocharles todas la críticas vertidas hacia mi al comprarme tantas películas... “Yo tengo mi videoclub particular, me ha costado lo mío, ahora hazte el tuyo.” esa era una de las frases que solía utilizar. Otras cosas que no hago es dejar películas dentro del reproductor o tiradas por cualquier lugar (a no ser que tenga que reordenarlas o hacer recuento) tampoco suelo llevarlas a casa de nadie. Insisto si quieren ver la película que se la compren, la alquilen, la copien o la descarguen de Internet. Porque esa es otra. Preguntas tales como: ¿Para qué te las compras si ya te las puedes bajar? ¿Pero si se ven de maravilla descargadas y encima gratis? ¿Pero ya las ves todas? o ¿Si ya las has visto para qué las quieres guardar? Véndelas, alquilalas o incluso, regalalas y otras tonterías por el estilo.
Soy maniático con el orden, hay gente que se complica y ordena su filmoteca por género o autor o actor o distribuidora.... Yo soy de los prácticos por no decir clásicos y hago uso del orden alfabético. Lo encuentro mucho más rápido y sencillo. Hace poco supe de un tipo que cuando compraba una película tiraba la caja y metía el disco en un archivador. Se me pusieron los ojos como platos. Sí, que haga lo que quiera con sus DVDs pero personalmente lo encontré una completa aberración.
Ahora sucede que ha llegado el Blu-Ray Disc y claro, mi dilema fue... ¿Mezclo DVD con Alta Definición? Me ha costado decidirme pero sí, en mi caso lo he mezclado.
Y seguro que os preguntaréis... ¿Te compras los mismos títulos que tienes en DVD? Al principio me resistí. Poco a poco, algunos de ellos, los que más me han impactado han vuelto a entrar en casa en este formato. Los demás son cosas nuevas (no todas) sobre todo títulos en los que se pueda disfrutar de la calidad de imagen y sonido de este formato.
Por cierto, controlo mis películas gracias a una base de datos. Otra cosa curiosa es que cuando voy a comprar muy pocas veces (se pueden contra con los dedos de una mano) me he equivocado y he comprado algo que ya tenía.

Un Profeta: ¿La carcel? una escuela...

2010-06-16T13:37:00.009+02:00

Películas sobre cárceles hay muchas. Unas buenas otras menos y otras que más vale dejarlas en el cuarto de castigo y perder la llave.Este no es el caso de Un Profeta (2009) dirigida por Jacques Audiard y protagonizada por Tahar Rahim, Niels Arestrup, Salem Kali, Alaa Oumouzoune. Una excelente obra maestra tanto en dirección, interpretación como en narrativa. Las más de dos horas que dura la película te mantienen enganchado a la butaca, embelesado por la interpretación de Tahar Rahim que borda con gran verosimilitud el personaje que le ha toca do interpretar.

Para el que aún no la haya visto, Un Profeta narra las desventuras de Malik El Djebena, un pobre desgraciado condenado a seis años de prisión. Malik carece de estudios. No sabe leer ni escribir y parece no sólo desorientado, sino aterrorizado con lo que va a encontrar dentro de su nuevo "hogar". Pero de tonto no tiene un pelo y la suerte (si se le puede llamar así) hace que se tope con una banda de corsos que domina la prisión. Poco a poco le irán encomendando una serie de "misiones" que debe cumplir para ganarse unos cuantos privilegios que lo conseguirán hacerse mucho más fuerte y así ganarse la confianza de César Luciani líder del grupo.

Malik aprende rápido, no solo en lo que concierne a lo "sano" (culturizarse, leer, escribir...) sino también al lado oscuro de la sociedad carcelaria. Con el tiempo se atreverá a elaborar sus propios negocios , lejos de los ojos de su "amo"...

En un momento como este que el cine parece estar lleno de remakes, secuelas, precuelas y refritos, Un Profeta es un soplo de aire fresco. Un regalo para la memoria cinematográfica. Audiard sabe hacer muy bien su trabajo tras la cámara. Sabe enganchar al espectador, no aburrirlo y sobre todo darle a la trama curda y realista ciertos toque de "realidad mágica" como la aparición constante del fantasma de Reyeb (Hichem Yacoubi) asesinado por Karim por orden de Luciani. O esa extraña visión (casi Lynchiana) del atropello del ciervo en la carretera que luego se convierte en una realidad...Un Profeta también tiene escenas tiernas. Son escenas de sensaciones, las de Karim cuando se le devuelve (momentáneamente) la libertad y puede volar, pisar la arena de la playa, sentir el agua en sus pies o poder abrazar al hijo de su mejor amigo Ryad´s. Son momentos compartidos por el personaje con el espectador y que se agradecen no sólo por nosotros, sino hacia el propio protagonista. La perfecta conclusión de la trama, ese momento gracioso, con un Karim aparentando ser un simple exconvicto más mientras detrás suyo le acompaña (muy poco disimuladamente) su nuevo séquito no tiene precio.

Peter Jackson´s King Kong : Ahora más grande, con más metraje...

2009-12-03T12:49:00.010+01:00

Hacía tiempo que rondaba por casa una copia de Peter Jackson´s King Kong (2005) Edición Extendida de Luxe (3 DVD). La compré en Los Angeles, concretamente en una de las pocas tiendas que pude encontrar de DVDs en Santa Mónica. Es una edición que incluye numerosos extras y, además, la versión extendida , jamás vista en cines de la enésima revisitación del clásico que Merian Caldwell Cooper (24 de octubre de 1894 - 21 de abril de 1973) creo para la literatura. Dicha versión extendida incluye la friolera de 38 minutos extra (tal cosa no me debería sorprender ya que el Mr Jackson, al igual de James Cameron, se han encargado últimamente de hacer versiones elefantiásiscas de casi todas sus obras) repartidos a lo largo y ancho del metraje.

He de apuntar que soy un gran admirador de la bestia salvaje que vive en la Isla de la Calavera desde que tengo uso de razón. Mi primer encuentro con el gran mono tuvo lugar allá por 1973, cuando se celebró un homenaje tras la muerte de Cooper y pudimos ir toda la familia al cine a ver el reestreno de la película. Reconozco que el King Kong ( Merian Caldwell Cooper) de 1933 sigue siendo el mejor de todos. Es el único que puede transportar la imaginación de un niño y hacerle creer que aquel bicho tan feo y tan grandote, de movimientos un tanto mecánicos, existía de verdad , aunque todo sucediese en blanco y negro y lleno de rallas en la pantalla. Son cosas que nunca se olvidan, se quedan impregnados en la retina para el resto de la vida (y posiblemente otras vidas...).

Ojo, pero no me tachéis de purista. Para mí solo existen tres King Kong. El resto son sucedáneos. El segundo King Kong que disfruté fue el que John Guillermin (el dios del cine catastrofísta) llevo a las pantallas en 1976 con una desconocida Jessica Lange y un melenudo Jeff Bridges. Esta fue una película que recuerdo haberla visto en una sesión matinal en el cine Pelayo junto con mi padre y mi hermana, mientras mi madre, en casa batallaba contra el desorden y nos preparaba la comida. Tengo muy buen recuerdo de esta versión, sobre todo su excelente banda sonora de John Barry y esa escena tan seductora de Kong desnudando a la Lange en la cascada y soplándole en modo hiperhuracanado para poder secarla. He de decir que el climax final en las desaparecidas Torres Gemelas con ese corazón de mono apagándose lentamente hicieron del niño que habitaba en mí (con 9 años uno esta muy sensible) acabase sentado en la butaca en un mar de lágrimas.

A contra de lo que mucha gente opinaba, he de decir que la versión de Peter Jackson me gustó bastante. El barbudo (y anteriormente orondo) director me dio una visión del gran mono que a mi me gustaba. Se nota que tiene un gran respeto a la criatura, al gran clásico de Cooper (aunque en una escena de la película Jack Black, interpretando a oportunista director de cine Carl Denham, mencione despectivamente al padre de la criatura). Tenía constancia de que Jackson había filmado más escenas y esperaba con anhelo poder verlas integradas en una versión para DVD. Cuando adquirí el DVD estaba que no me lo creía. Pero... en cierta forma sentía cierto temor en poder ver si lo que había añadido después de haberlo desechado merecía la pena y/o estropeaba el ritmo trepidante de la mitad de la película. Así pues, decidí no verla hasta que estuviese preparado para ello. De eso un año y medio hasta que Juanjo, un amigo cinéfilo, admirador del director del Señor de los Anillos me comentó que quería verla. Y la vimos.

No se muy bien por donde empezar pero de lo que sí tengo claro es que la nueva versión ampliada de Jackson me gustó bastante. Por lo menos y como sucedió cuando vi por primera vez King Kong me teletransportó a la Isla de la Calavera y me olvide de todo lo que había a mi alrededor. Resulta curioso que algunas de las escena añadidas tiene muchísima mayor calidad en cuanto a tensión narrativa se refiere que algunas que dejó puestas (y que siguen incluidas como la estampida de diplodocus de cartón piedra que en la nueva edición chirría por todos lados). Lo añadido es bueno, muy bueno y todo un homenaje al clásico de 1933 como la escena del viaje en troncos por el pantano o el primer encuentro de la expedición con un ser primitivo en forma de Triceratops con muy mala leche... No todo lo nuevo se centra en lo que sucede en la isla. Otra parte del metraje extra está empalmado en la primera hora de película, en el viaje en barco, donde muchos de los actores secundarios se dibujan mucho mejor y donde conoceremos más detalle sobre la vida y anhelos de los protagonistas.

El King Kong de Jackson gana en intensidad en esta nueva versión. Es más grande (tanto como el peludo habitante de Isla Calavera), más dramática, más intensa que la copia desinflada que pudimos ver en el cine. Merece, ante todo, darle una nueva oportunidad, no verla como un simple remake con mucho dinero de por medio. Es todo un homenaje al cine de antaño, hecho con todo el cariño y con conocimiento de causa.

¿Cine en casa o cine en salas?

2009-12-03T11:44:00.010+01:00

¡Ah, bonito dilema! Suena un poco como al de la gallina y el huevo ¿no es así? Pero estoy seguro que a estas alturas no seré el único que hoy en día le cuesta cada vez más salir a la calle para ir a una sala de cine a ver una película. ¿Y por qué igual os preguntáis? Pues en mi caso, entre otras muchas cosas, porque me da mucha pereza mover el culo del sofá y por la (ya lo se) mañida excusa del elevado precio de una entrada (eso sin añadirle las palomitas, refrescos y demás mandangadas...). Bueno, y si me permitís, por poner una excusa más, porque uno no está ya para aguantar a un público maleducado (victimas de la era consentimiento paternal) que no saben comportarse correctamente en una sala de cine ya que no paran de hacer el animal por entre el hueco de las butacas... Que sí, que también se que existen cines que repelen a este tipo de ácaros sociales; locales llenos de gafapastas intelectualoides que se consideran puristas y que veneran a Angeolopoulos, Von Trier y otros filósofos del celuloide (que tampoco desprecio). Pero, vuelvo a decirlo y quizás se la excusa con mas peso que pueda mantener ahora, me da mucha pereza salir de casa para ver una película. Me da igual que sea en 3D, de animación (estoy empezando a odiarlas), o super producciones de esas que se cargan medio mundo en Dolby Sorround... Ya no digo que lo que vaya a ver sea, por lo menos, decente y que valga la pena haber pagado por ella los 6 o 9 euros que cuesta la entrada...

Ya se que no es lo mismo verlo en tu propia casa que en el cine. Aunque uno tenga una pantalla de 52 pulgadas, aunque cuente con un proyector y una pantalla de 2X2 metros... El cine es más cine en una sala llena de butacas alienadas, así lo será siempre, es precisamente el olor de una sala (cuanto más vieja mejor) lo que lo hace insuperable, ni el mejor ambientador del mundo conseguiría lograrlo.

Acerca de ver cine en casa... Hay que diferenciar muy claramente si el cine que vemos (o vamos a ver) es por lo menos en calidad, y no me refiero a calidad de guión, dirección e interpretación; hago constancia a si es de la suficiente calidad en cuanto a imagen para así poder disfrutarlo. Tenemos la santa suerte de que uno ya no tiene que esperar tanto a que el DVD o Blu Ray Disc de tal o cual película haga acto de presencia en nuestras tiendas habituales (tema precio es otra cosa). Si bien es cierto que a veces el ansia por conocer, o descubrir obras inéditas, haga que recurramos a descargar copias dignas del museo de los horrores. Hoy en día Internet se ha convertido en una especie de preselección de aquello que nos puede atraer (ya sea en música, cine o literatura) y posteriormente descargar nuestros bolsillos en dicho producto. No está el horno para bollos como para arriesgarse a meternos en una sala y tragarnos un bodrio infumable. ¡Ni hablar! Por lo menos en mi caso. Otra cosa es la comodidad. ¿Tienes pipí? Paras la película y te vas a regar la taza ¿Tienes popó? Otro tanto de los mismo ¿Te entra hambre? Paras y te preparas hasta una minipaella. Todo ello esturrufado en el sofá, con una mantita (si es invierno) o un cubata bien frío (si es verano). Que te has comprado la película. La guardas en tu estantería hasta la próxima vez que quieras verla (solo o en compañía) En resumidas cuentas: Comodidad. Eso sí, de ahí a coleccionar copias chungas de películas es otra cosa. Un buen cinéfilo (que no cinéfago) jamás consentiría tener una copia cutronga (otra cosa es que la película sea una basura integral) en su estantería. Ni regalada.

Y yo me hago también una pregunta... ¿Tiene culpa la calidad de las obras (ahora si me refiero al guión etc..) para que el publico acuda a las salas a pasar más de dos horas sentado en una butaca?

Yo creo que sí. Son pocos los directores que hacen de imán para llevar a las masas a las salas de cine. Además, tristemente son pocos y hasta sobran dedos de la mano los que lo consiguen. Resulta curioso como las ventas de clásicos se han disparado de un tiempo a esta parte respecto a obras de nueva hornada. ¿Por qué? Sencillo: falta de originalidad en los guiones. Si no echadle un vistazo a grandes estrenos de los últimos años para daros cuenta de que estoy en lo cierto.

Ahora son muchos los estudios que quieren recuperar clientela. Su ponen que el 3D es la panacea del reflorecimiento de su negocio... Este año que viene (2010) empiezan a aparecer las primeras televisiones con tecnología 3D ¿Ganas de putear a las distribuidoras? No, en absoluto. La tecnología del hogar ha de renovarse. ¿Qué van a hacer sino el día que emitan películas en dicho formato en la parrilla de emisión de cualquier cadena de televisión? ¿Que sucederá cuando aparezca el Blu Ray con la versión 3D para verla en casa? El 3D no es la solución a la recuperación del gran público. Y una vez más volvemos a lo mismo: ¿Cine en casa o cine en salas?

Paranormal Activity: ¡Cariño... soy un poco rarita!

2009-12-02T11:50:00.005+01:00

Cuatro duros son los que han hecho falta para que esta película del terror haya llegado a las salas de cine y se haya convertido en éxito de taquilla. Eso demuestra una cosa: para aterrorizar no hace falta gastarse un gran presupuesto, claro está a no ser que lo que quieras hacer sea una película repleta de efectos especiales... entonces ni el genio de la lámpara con todos sus poderes puede ayudarte.

Paranormal Activity (Oren Peli 2007) es más una cinta de sustos o de angustia que una obra de terror artesanal. No está hecha para según que publico, sobre todo para los más exigentes, aunque muchos de ellos hayan disfrutado horrores con espantos como El Proyecto de la Bruja de Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez 1997) o abobinaciones como The St. Francisville Experience (Ted Nicoladu 2000). Su premisa se acerca más a los interesantes (y divertidos) reallity Shows del estilo Ghost Hunters Headquarters, Paranormal Nation o A Haunted ya que guarda ese punto de experimento social al más puro estilo Gran Hermano.

Paranormal Activity podría pasar incluso como una peculiar obra de teatro ya que apenas hay mucho movimiento y muy pocos escenarios. Sólo faltaría que ahora algún avispado productor se le ocurriese semejante (pero interesante) idea... Su historia es tan mundana que hasta parece aburrida (sobre todo a quien le interesa lo más mínimo la monótona vida de una pareja joven sin hijos que vive en una casa llena de puertas y largos pasillos...) bueno, a no ser porque cuando llega la noche la cosa cambia y algo extraño parece sucede a su alrededor, mientras ellos duermen; pero es precisamente ese algo tan sutil que hace se todo se salga de lo cotidiano. Al principio es un par de golpes en la pared, luego unos ruidos de pasos por la habitación, luces que se encienden y se apagan lo que hacen que la pareja se desvele de su sueño y que decida (él más que ella) montar un taller de cazador de fantasmas en su propia casa. Durante los experimentos descubrirán que no están solos, que alguien o algo más convive con ellos y que cada día que pasa va ganando fuerza mientras la de ellos se va perdiendo cual brutal herida producida por un escarpelo. Esa presencia se centra especialmente en Katie (Katie Featherston), es algo que ella ya conoce y que la ha perseguido allá donde hayan posado sus pies durante toda su vida. Ni siquiera la ayuda de un parapsicólogo (Mark Fredrichs) especializado en posesiones ni la de Amber (Amber Armstrong) la hermana de ella conseguirán que la oscura presencia se aleje de ella. Mientras tanto Micah (Micah Sloat) su novio continuará metiendo el dedo en la llaga, incordiando al ser sobrenatural, retándolo, burlándose incluso de él para capturarlo en la cámara y mostrarlo de pleno al mundo (bien sea a través de internet o mediante medios más ambiciosos como la televisión). Micah no quiere sustitos del tipo puerta que se mueve, golpes de aire helado o ruidos o gritos infrahumanos, quiere capturar la presencia en todo su esplendor. Los resultados de sus desafíos llegarán a desatar la tragedia.

Lo mejor de Paranormal Activity es lo cotidiano en todos los sentidos. Tanto en el mundano como en el espectral. Es una de esas películas que después de vistas a uno le entran ganas de plantar una cámara frente a la cama, o enfocando la puerta del dormitorio para ver si realmente estamos solos. El terror es creíble, bien dosificado, bien calibrado. Solo la escena de la médium poseída que los protagonistas ven por internet es lo que más chirría. Estoy seguro que a partir de haberla visto nadie dormirá tan seguro como antes. Es posible que hasta más de uno ponga topes en la puerta o deje polvos de talco en el suelo para ver si al día siguiente hay extrañas pisadas grabadas en el suelo. Si algo tiene de malo este film es que es demasiado monótono, no es mi caso, las escenas nocturnas son inquietantes, aunque suceda poco o nada, aunque muestren momentos de sonambulismo o despertares súbitos producidos por el más allá. Paranormal Activity es una película correcta, efectiva y con una atmósfera que más quisiera alguna superproducción.

Pontypool: Please, Don´t Speak in English!

2009-12-02T10:23:00.006+01:00

El mundo del cine muchas veces da ciertas sorpresas, sobre todo en un momento en el que las ideas de ciertos creativos se limitan a copiar cual clones guiones venidos de otros rincones o incluso hacer refritos de éxitos del pasado. Había oído hablar de Pontypool (Bruce McDonald 2008) hace bien poco, a través de una reseña en una web de esas de descargas ilegales que pululan por la red. La primera cosa que hice fue ver el trailer como referencia a que el producto en cuestión valía la pena. Lo que se presentaba no era mucho. Tres personajes encerrados en una emisora de radio perdida en vete a saber que lugar de los EEUU recibiendo una serie de llamadas telefónicas angustiosas de personas que aseguraban que algo extraño estaba pasando a su alrededor...

Como uno es muy curioso, y por otro lado en la película se trata del mundo de la radio (medio que me dio la oportunidad de ser quien soy profesionalmente) conseguí hacerme con una copia de la misma.

A primera vista he de decir que la película me impactó. Si es cierto que su segunda mitad es algo extravagante, un poco difícil de digerir pero una vez la introduces en tu estómago acaba por gustarte, más aun encantarte. No es una película para todos los públicos, me refiero a los que adoran el gore, los monstruos, y los psicokillers vestidos de mamarracho. Es una obra minimalísta, de esas que te hacen pensar y que esconde un trasfondo mucho más profundo del que realmente aparenta.

Aparentemente Pontypool tiene todos los números de ser una nueva película de zombis, graso error. Sí, hay masas de gente que asesina a otras personas con una virulencia atroz, hay seres que arrastran los pies y miran fijamente a la nada en busca de alguien a quien hincar las uñas o los dientes. Pero no es una película de zombis.

Los tres protagonistas (Stephen McHattie, Lisa Houle, Georgina Reilly) son testigos de algo que sucede a su alrededor pero que no pueden ver. La radio tiene eso, es ciega de nacimiento pero no sorda. Su personaje principal llamado Grant Mazzy (Stephen McHattie) es un hombre rudo, de rostro difícil, que sólo sabe seducir con su voz a una audiencia pueblerina. Cuenta chismes de la comunidad y recibe cartas de admiradoras ya entradas en años, como él. Una madrugada, antes de llegar con su coche a la emisora, en plena tormenta de nieve, se topa con una extraña mujer que balbucea algo repetidas veces y después desaparece en la oscuridad. Ese suceso le deja un poco sorprendido por lo que decide utilizarlo como reclamo a su audiencia para que le sugieran cosas mediante el teléfono en antena. Su productora Sydney Briar (Lisa Houle), un poco harta de las extravagancias de su jefe trata por todos los medios que éste no se salga de su guión (que consiste en anunciar esto y aquello o hablar del tiempo o de cosas más mundanas como entrevistar al coro de la iglesia que ha venido a visitar el estudio) Sólo la técnico de sonido Laurel-Ann Drummond (Georgina Reilly) parece divertirle este cambio de rumbo del programa. La cosa se complica cuando Rick Roberts (con la voz de Kem Loney) corresponsal aéreo de la ciudad llama para comunicar que algo extraño está sucediendo en el centro de Pontypool. Al arecer una serie de personas están saliendo a la calle y asesinándose los unos a los otros...

Lo que sucede a partir de entonces es una serie de situaciones angustiosas, donde la duda es una constante. Todo el mundo sospecha que aquello es una farsa, que se trata de una broma pesada para desprestigiarse los unos a los otros. Pero la aparición de los primeros síntomas de esa extraña locura en uno de los protagonistas hará que el resto se convenza de que algo extraño está sucediendo.

Pontypool entraría en la categoría de cine de infectados. Y lo haría por la puerta grande. Hay momentos que recuerdan a películas como las sagas [REC] (Jaume Blagueró y Paco Plaza 2007), 28 Días Después (Danny Bloyle 2002), Warning Sign (Hal Barwood 1985) o The Crazies (George A Romero 1973). Pero así como en estas se trata de un virus que entra por la sangre, en el caso de Pontypool la invasión se lleva a cabo por otras vías mucho más mundanas, extrañas pero lógicas y que recuerdan a la grandiosa La Invasión de los Ladrones de Cuerpos (Don Seigel 1956) o incluso a ciertos episodios de series de la talla de Twilight Zone o Expediente X.

Carnival of Souls: A veces veo...

2009-12-01T15:31:00.006+01:00

Hay películas que a menudo pasan desapercibidas a mis ojos. Son obras que descubro por pura chiripa bien en la estantería de un centro comercial o bien porque las oigo comentar a terceros. Este es el caso de Carnival of Souls ( Herk Harvey 1962) una interesante obra de terror psicológico germen de gran parte del cine que años más tarde se encumbraría como de culto o película supermega original de la muerte lenta y que beben de ella como sanguijuelas mutantes venidas del espacio exterior.

Hay que decir que su director, como sucedía con George A Romero (del que toma prestada cosas de Carnival en su obra magna La Noche de los Muertos Vivientes 1969) venía directamente del mundo de la publicidad y que debutaba en la pantalla grande con una película de muy bajo presupuesto, con actores desconocidos, casi todos ellos amigos o gente de su entorno laboral y en formato tan económico como el blanco y negro.

A veces trabajar con un presupuesto bajo hace que la inventiva cree verdaderos milagros y precisamente eso es lo que sucede con Carnival of Souls. No hay efectos especiales sofisticados (tampoco se habían inventado), ni siquiera una banda sonora de las que hacen historia. Todo se centra en efectivos trucos de luz, maquillaje y una perpetua música de órgano enlatada. Los planos son cuidados, oníricos en muchas de las ocasiones, los decorados son naturales, hasta ese circo, balneario abandonado donde habitan los fantasmagoricos esperpentos que atormentan a la protagonista son reales. Como sucedía con Romero y su Noche de... aquí no hay trampa ni cartón, pero si mucha habilidad para aprovechar el poco dinero invertido.

La historia de Carnival narra las desventuras de Mary Henry una organista talentosa que un buen día no se le ocurre otra cosa que subirse al coche de unas amigas para ir a dar una vuelta por el pueblo. En medio camino se cruzan con un grupo de jovencitos que les retan a participar en una carrera. La mala suerte hace que el coche donde Mary y sus amigas viajan acabe en el fondo del río, tras caer por un lado de un puente... Cuando la policía llega al lugar del siniestro solo encuentran a Mary que surge del agua completamente desorientada. Pasan unos días pero aun sigue atormentada por lo sucedido por lo que decide marcharse del lugar y comenzar una nueva vida lejos de su ciudad. Toma su coche y se embarca en lo que será un viaje extraño, poblado de figuras pálidas y amenazadoras que la persiguen, donde el tiempo le juega malas pasadas deteniéndose a su alrededor, haciendo que la gente que la rodee la ignore como si ella no existiera. A eso hay que sumarle la obsesión que tiene hacia un viejo y destartalado balneario que también fue parque de atracciones y que se encuentra en las afueras de la ciudad. Son varios los personajes que se cruzaran en su vida, unos de ellos para ayudarla como el Doctor Samuels (Stan Levitt) o incluso Mrs. Thomas (Frances Feist) la dueña de la pensión donde ella vive. Otros la atormentarán como John Linden (Sidney Berger) su compañero de hospedaje que sólo busca llevársela al huerto o el enigmático Zombi del lago (Cary Conboy) que aparecerá asomado en ventanas o incluso oculto tras la butaca del Doctor Samuels. Si bien es una obra que ahora vista parece incluso ingenua (sus diálogos y algunas situaciones son un tanto ridículas) demuestra tener una fuerza visual que más de una película actual del genero del terror le gustaría tener. Su final sorpresa denota también su influencia en ciertos directores

Carnival of Souls es una obra olvidada por el tiempo, es la semilla de donde han surgido otros árboles más robustos, algunos con pretensiones de secuoya pero que se quedan en simples arbustos. Obras como la mencionada La Noche de los Muertos vivientes, Carretera Perdida (David Lynch 1997), El Resplandor (Stanley Kubrick 1980), Los Otros (Alejandro Amenabar 2000) o la sobrevalorada El Sexto Sentido (M. Night Shyamalan 1999) le deben mucho. A su vez también se ha de admitir que Carnival of Souls debe muy mucho de la gran Psicosis de (Alfred Hicthcock 1960).

Moon: Patchwork Espacial.

2009-12-01T14:43:00.005+01:00

¿Por qué todo el mundo le ha dado por elogiar la obra de Duncan Jones (ahora bautizado in secula seculorum como el hijo de David Bowie)? Ojo, mucho cuidado, no voy a decir que Moon no me haya gustado, todo lo contrario, pero de la misma razón que admito mi admiración por ella también soy capaz de tacharla de ser poco original porque precisamente de falta de originalidad carece y marchas forzadas.

Moon es una de esas obras que está (muy pero que muy bien) pensada para atraer a los amantes de la ciencia ficción pura y dura. Sobre todo a los que odian las naves espaciales ruidosas, los cañones escupe láser, los monstruitos con cabezas imposibles y las batallas espaciales en galaxias muy muy lejanas. Por un momento me gustaría creer que Moon está concebida como un gran homenaje al cine clásico; que sobre todo rinde honores (y toma muchos iconos) a películas como 2001 Una Odisea en el Espacio (Stanley Kubrick 1969), Naves Silenciosas (Douglas Trumbull 1972), Solaris (Andréi Tarkovski 1972) o incluso las más posteriores Blade Runner (Ridley Scott 1982) o Gattaca (Andrew Niccol 1997). Precisamente Jones ha comentado que su obra es un reto para fans del género; toda ella está llena de detalles, referencias a otras películas o incluso a obras escritas de la novela de anticipación.

Moon es sin duda una película para lucirla en todo su esplendor en una pantalla grande (cuanto más grande mejor) de una buena sala cinematográfica; o para lucirla en una televisión panorámica y en formato HD (Alta Definición).

Para comenzar sobresale su diseño artístico de la mano de Tony Noble y el artista conceptual Gavin Rothery. Ambos saben mezclar lo futurista con lo lógico; cabe pensar que parte de los escenarios son decorados reales y sobreexposiciones digitales montados sobre cortinas verdes con palos y numeritos como referencias. Esta atmósfera creada es todo reto de presupuesto y también todo un homenaje a aquellos genios del cine pero sobre todo de los cómics que hacían poblar universos ficticios en Metal Hurlant o 1984. La estética en todo momento recuerda a la diseñada por Kubrick y Trumbull para 2001 y tal como sucedían en tal mítica cinta todo lo que aparece en pantalla parece muy funcional; incluso Gerty (ese robot que habla con voz de Kevin Spacey) es completamente factible, entre otras cosas porque es tan básico que dista lejos de seres mecánicos como Robbie el Robot o el mismísimo C3PO. Incluso logra en determinados momentos transmitir un gran numero de emociones utilizando un lenguaje tan básico como el de los Smiley.

Sobre la esencia del guión... su historia es muy simple: habla de la soledad, de esa misma soledad que puebla el paisaje lunar y la misma que el protagonista (impresionante Sam Rockwell) espera desquitarse con ansia al regresar a la tierra tras un periodo de tres años de trabajo en la base lunar, sacando del suelo una nueva y valiosa fuente de energía. Demasiado tiempo sin nadie parece estar jugándole malas pasadas ya que su mente empieza a ver extrañas visiones lo que hace que, tras un descuido, sufra un aparatoso accidente. Tras este incidente comenzará a descubrir muchas cosas sorprendentes sobre lo que le rodea, sobre sí mismo...

Destaco por encima de todo el enorme trabajo de Rockwell que se desdobla con una facilidad apabullante; que incluso sabe degenerar un personaje como si fuera una manzana pudriéndose lentamente en una cesta. Es en algunos momentos parece frío, casi inhumano, mas artificial incluso que Gerty pero, con el paso del tiempo, sus sentimientos y emociones irán aflorando haciéndole encontrar su lado más humano, esa chispa que solo consigue el alma pese a que su cuerpo sea el de otro...

Los peros... Moon suena a ya visto, demasiados homenajes la hacen poco original. Si bien es una obra redonda (como la misma luna) no deja de ser un clon de otras películas (buenas películas) del género. ¿Intencionado? ¿Casualidad? ¿Falta de originalidad? La decisión final esta de parte de la crítica y el público.

Eden Lake: God Save the White Trash! (2008)

2009-03-18T12:13:00.011+01:00

Quién no se acuerda de ¿Quién puede matar a un niño? o Los chicos del maíz películas donde se pone en cuestión la inocencia de unos niños...

La vida misma es muestra de ellos. La televisión ofrece a veces noticias desconcertantes acerca de salvajadas infantiles u adolescentes que han traspasado la frontera de la gamberrada y en la que han acabado por derramar más sangre que la de una simple brecha. Pues resulta curioso pero la brecha que abre Eden Lake escrita y dirigida de forma efectiva (por no decir brillante) por James Watkins es tan profunda que cuesta días, por no decir semanas en cicatrizar. No es un terror desconocido el que nos muestra, ni mucho menos, es tan cotidiano que podría vivir a tu lado o tras la pared de tu casa. En este caso en un pueblecito ingles perdido en el bosque y a cuyo lago se dirige la pareja integrada por Jenny (Kelly Reilly) y Steve (Michael Fassbender), lo que parece ser un bonito fin de semana en donde Steve pretende entregarle a su amada el anillo de compromiso, se convierte en un infierno por culpa de la aparición de la “fauna” autóctona, una pandilla de preadolescentes, rudos, malhablados y sobre todo violentos que no ducan al principio molestar a la pareja, reírse de ellos, para luego iniciar una batalla que acabará en una auténtica guerra.

Si bien la balanza parece estar a favor de los mayores en este caso no sucede lo mismo ya que la crueldad infantil es aun más dura y grotesca que la adulta. Sus juegos son mucho mas imaginativos y sanguinarios ¡vaya si lo son!...

Al principio Jenny cuenta con la ayuda de su amado pero éste no tarda en sucumbir a la ira de los niños, debido a una rencilla por unos de los objetos robados de su todo terreno que acaba con la muerte de uno de los “componentes” de la particular banda de desalmados. Lo inteligente del guión de Watkins es que utiliza medios tan cotidianos como la aparición de un teléfono móvil como elemento clave que sirve para que los niños graben el daño que les infringen a los protagonistas, para utilizarlo como disuasorio en el caso de que alguno de los miembros de la banda quiera irse de la boca pero sobre todo subirlo a la red y presumir de sus hazañas. También no utiliza fuentes surelistas y se centra más en un docudrama que una película fantástica.

Eden Lake es una cinta dura, con momentos tensos de esos que te hacen apartar la mirada o ver a los protagonistas con verdadero odio a pesar de que son simples niños. El tramo final es de órdago. No sólo vemos que no hay posibilidad alguna de Happy End sino que descubrimos de donde han cultivado los modales los “tiernos” retoños. Un final que poner los pelos de punta y que te deja con un muy mal sabor de boca...

Martyrs: O el quíntuple giro de la tuerca (2008)

2009-03-18T11:30:00.006+01:00

Mucha tinta se ha vertido sobre esta película y es que uno que no acaba de creerse todo lo que le dicen por lo que me ha mantenido al margen para ver que sucedía a lo largo de sus 95 minutos de metraje. Pero la duda y la espera ha dudado poco. Sí, lo confieso he visto Martyrs y me ha gustado. Pero he de decir que me ha gustado mucho más su trama principal con giros de guión a velocidad de vértigo que por sus polémica media hora final.

Me gusta el cine que me sorprende. Del que te hace pensar una cosa y de repente se tuerce para mostrar otra, eso sí, siempre que mantenga una coherencia. Por eso detesto el cine del M. Night Shyamalan del que me considero su enemigo numero uno. Una cosa es los giros de guión y otra las trampas. Martyrs por lo menos es honesta y no engaña como si lo hacía Alexandre Ajá y su incoherente Haute Tension (Alta Tensión). En Martyrs se te va desvelando la trama, desde un principio cruda y viscerál (explícita hasta la exasperación) para ir poco a poco dándote mazazos en el cogote de los que duelen y que te dejan patidifuso.

Personalmente veo la película en tres actos. El primero habla de venganza, una revancha un poco fuera de lugar, sanguinaria y que hace dudar de la cordura de su protagonista Lucie (Mylène Jampanoï) víctima de muy joven del torturador abuso de unos desconocidos de los que logra escapar y para dar con sus huesos en una institución mental donde tras una dura recuperación, y ayudada por Anna (Morjana Alaoui) una niña de su misma edad, conseguirá salir presumiblemente airosa. Pero sucede, que un día, en un periódico local, aparece una significativa foto que le hace rememorar su duro pasado por lo que decide borrarlo de su vida a golpe de escopetazo puro y duro.

Pero Lucie no está sola: Anna le ayuda como también un ser horrendo, mutilado, que la tortura con gritos, lloros y golpes y que no duda bajo ni un pretexto descargar sobre ella toda su ira. En este primer acto se cuestiona si realmente las víctimas son los personajes de la foto (una familia modélica compuesta por padre, madre, hijo e hija adolescentes) o en todo caso la victima sigue siendo Lucie y su mente perturbada por algo que ella no deseaba y que le implantaron en su memoria como un hierro candente...

El segundo acto es todo un homenaje a Hitchcock, sobre todo a Psicosis y aquí donde deja al espectador con ¿Y ahora qué puñetas pasará? En un acto que dura poco, pero que resulta inquietante, angustioso y que te deja incomodo en todo momento, sobre todo cuando una de las protagonistas se encuentra con algo aberrante tras lo que se suponía la aparentemente vida familiar de la familia modelo masacrada.

El tercer acto es muy duro, es como surgido de una perfomance digna de la Fura dels Baus, es cine sin habla (que no mudo porque ruido lo hay...) No me desagradó a la vista como si sucedió a más gente allí donde se ha ido exhibiendo. No es que este curado de espantos, pero lo que vi era una situación casi predicha, no pilla por sorpresa como las dos primeras partes de la película. Pero quien se lleva la palma es el final. Sí, Martyrs tiene uno de los mejores finales que he visto en la historia del cine. Es tan frío y egoísta que es digno del aplauso. Como el personaje que lo pone en practica ante la pantalla y ante quienes esperan ansiosos una respuesta.

Let the right one in (Låt den rätte komma in) (2008)

2009-03-18T10:37:00.004+01:00

Hoy en día cuesta sorprender al público con una buena película de terror. Sobre todo con una que tenga fondo y los personajes sean creíbles, no modelos de peluquería y cuerpos desnatados surgidos de las playas de Santa Mónica. Por eso siempre me ha gustado mucho más el cine europeo, más dado a mostrar la realidad tal y como es. Ni los gordos son tontos ni graciosos, ni los delgados y guapos son listos y triunfan con todo tipo de moralina concentrada.

A lo que iba. Señoras y señores, niños y niñas bienvenidos a el terror europeo de autor, pero de mirarlo como si de pronto a Truffaut o al mismísimo Bergman le hubiese dado por ofrecer una versión particular sobre el mito del vampiro. Su director Tomas Alfredson le sabe dar ese punto introspectivo de que aparentemente no sucede nada, que todo es normal, pero que en el fondo se está tejiendo una historia compleja y muy enternecedora, pese a la situación y los acontecimientos a los que estamos siendo testigos. La historia no es suya, sino de John Ajvide Lindqvist, que ha adaptado su propia novela con mucho acierto, sabiéndole dar ese ritmo necesario para atrapar poco a poco al público (algo que resulta harto difícil hoy en día) Si es cierto que en buenas manos puede ofrecer una nueva visión, es este caso la de un punto de vista infantil e incluso en ocasiones hasta tierno (la escena de cubo de rubik es bella y a la vez inquitante) mucho más centrado en la amistad y apoyo mutuo que en sembrar caos y destrucción allí donde uno pisa. Sí, porque en Let The Right One In (que vendría a ser algo así como “Deja Entrar a la Persona Correcta”) se habla ante todo de amistad, de la de verdad, de los secretos, de las debilidades humanas y por supuesto de las sobrenaturales; pero sobre todo se hace mucho hincapié en la soledad, la eterna soledad del vampiro y de la incomoda soledad de un niño cuyos padres separados se lo rifan como si se tratase de un mueble o un objeto inanimado o la de sus compañeros de clase que lo repudian, humillan y burlan de él de forma aberrante.

En resumidas cuentas: lo más llamativo de toda la trama es su simplicidad, con muy pocos efectos especiales, salvo en muy contadas ocasiones y tampoco como para dar saltos de alegría o compararlos a los de una superproducción. Pero ojo, efectivos. Es una historia bonita, casi realista y de obligado visionado. Let The Right One In no es una película de sustos (no hace falta) ya que es cotidiana hasta la médula, pero sabe enganchar y hace sentirte solidario con la pequeña Eli (Lina Leandersson) cuya mirada de perrito apaleado y su aspecto feroz cuando se transforma deja a uno fascinado con su presencia y con su compañero de fatigas el joven Oskar (Kåre Hedebrant).

Mujeres y cine Vol. 3

2008-09-19T16:09:00.004+02:00

Alice Hyatt: La mujer sacrificada
Hace unos meses pude ver en casa, por fin después de muchos años, sentado en mi sofá, en mi DVD las desventuras de la pobre Alice Hyatt (Ellen Burstyn) y de su repelente hijo por la America profunda ambos en busca de una nueva oportunidad que mejore sus tristes vidas. Ella quiere ser cantante y lucha por ello pero la pobre, necesitada de dinero y de una boca adolescente que alimentar acaba por aceptar el trabajo de camarera de un bar de un triste pueblucho donde conoce a David, un ranchero amante de los caballos, y que podría ser el (definitivo) hombre de su vida. Pero claro la pobre Alice ha sido tan desgraciada en amores que aun le cuesta creerse que en este simple pero cochino mundo aun quede alguien que realmente le importe ella.

Es curioso que esta obra (catalogada como menor) de la filmografía de Martin Scorsese haya pasado algo desapercibida ante los ojos del gran público y más cuando nos muestra una realidad tan cercana que a veces parece que estás viendo un documental. Quizás porque en 1974 que es de cuando data su estreno el director no gozaba del prestigio del que cuenta en estos momentos.
Alice es una madre ante todo, sacrificada, leal, protectora siempre atenta en todo con su polluelo. Por él deja a un lado sus (a veces) absurdas ambiciones. Alice sacrifica su necesidad de ser amada antes que perder el amor de su hijo, un hijo menos paciente que ella y que le acaba reprochando (en diversas ocasiones) su patético destino como eternos nómadas en una tierra tan yerma como la que se puede encontrar en culo de los Estados Unidos.

Una vez visionada solo me queda una serie de preguntas, quizás las más concisa y que convierten esta obra de Scorsese en una visión prácticamente atemporal disfrazada de peculair drama urbano. Y cuáles son esas preguntas, muy sencillo: ¿Cuántas madres de hoy en día no se parecen a dicho personaje?¿Cuántas dejan volar sus sueños o los entierran en cal viva por dar una vida mejor a los suyos? ¿Cuántas reciben la compresión y el reconocimiento por parte de sus seres queridos? ¿Y la ayuda?

Mujeres y el cine Vol. 2

2008-09-09T10:07:00.004+02:00

Tracy Lord: La mujer mediática.

Si una cosa tiene el verano es la posibilidad de poder disfrutar de una buena sesión de cine noctambula. Sí, de esas de amodorramiento y en la que tiene cabida todo tipo de cine, en especial aquel que siempre has dejado para más tarde (siempre hay una película que tiene colgado ese San Benito). Pues bien una tarde noche, tumbados en el sofá de casa desempolvamos una de esas películas de la lista, un clásico que llamaba a gritos ser visionado (y disfrutado venido sea al caso) Así que me fue a mi deuvedeteca particular y extraje de ella Historias de Filadelfia (George Cukor, 1940).

No recordaba haberla visto anteriormente. Cosa que me extrañaba ya que ha sido uno de los títulos que más veces habían pasado en televisión en épocas cuando emitían películas de toda clase y no barbaridades llenas de guiones nefastos, efectos especiales y muchos, muchos disparos.

Es curioso como uno se acostumbra a lo malo, o en todo caso a lo actual ya que el ritmo de la película en cuestión se me hizo un poco tedioso en algunos momentos, cosa que me extrañó. Aun así se trata de una obra divertida y muy ingeniosa, de lectura facilona y de final previsible ¿Quién se cree que Tracy Lord se va a quedar con George Kittredge? Por cierto un personaje mediocre interpretado por un actor, John Howard, también de carrera mediocre. Lo qué más gracia me hizo es que toda la trama se resuelve a 24 horas de la boda, cosa que da por pensar lo caprichoso y sobre todo inseguro que resulta ser el personaje que interpreta la Hepburn.

Si es cierto que la historia es muy simple (para los que aun no la ha visto trata sobre una mujer de la alta alcurnia va a celebrar su segundo boda y su ex marido despechado trata de boicotearla metiendo en casa de la joven a la mismísima prensa del corazón) pero claro, su lectura tenía un punto que la hacía atemporal. Precisamente, hoy en día, el cotilleo es el pan nuestro en cualquier cadena de televisión o publicación de papel couché así que no quedaba desfasada en nada con lo que podemos leer cualquier semana en una de estas revistas.

Otra cosa que me pasó por la cabeza mientras miraba la obra de Cukor fue preguntarme cuándo iban a tardar Hollywood en hacer una secuela de la película, justo ahora que las perezosas células del séptimo arte les apasiona sobremanera nutrirse de sus propias obras a modo de peculiar acto de auto canibalismo. Y si en el caso de que alguien se le ocurriese hacer una secuela ¿quién podría sustituir a la grandiosa Hepburn? ¿tal vez la mediocre Scarlett Johansson? ¿la efímera Charlize Theron? ¿Y quién haría del gran Gary Grant? ¿El empalagoso George Clooney? ¿el insípido Hugh Jackman? ¿Y que decimos del eterno James Steward? ¿El soseras de Hugh Grant? ¿el versátil de Ewan McGregor? Porque si algo tiene historias de Filadelfia es que se ha convertido en una historia atemporal y su personaje femenino Tracy Lord (no confundirla con la actriz porno) en un auténtico icono realístico digno de cualquier portada de revista del cotilleo más glamuroso (en este caso podría ser la propia ¡Hola!).

Igual no sería mala idea una secuela (¿alguien valora o recuerda la bazofia que hicieron con Sabrina?), puede que incluso hasta acabaría siendo rentable incluso. Pero quizás quien más lo agradecerían serían los anodinos espectadores que no saben apreciar lo que es una película clásica en toda su regla donde todos sus protagonistas fallecieron hace años y se rodó en un esplendido blanco y negro.

Que sí, que no niego que el personaje de Tracy Lord es el de una mujer mediática y atemporal pero, por favor que se quede siempre vestida con la piel de la Hepburn.

Mujeres y el cine vol. 1

2008-09-03T19:17:00.004+02:00

Hace dias que tenía pensado iniciar un post dedicado a las mujeres y mundo del cine. De momento se me han ocurrido tres, éste es el primero de ellos.

Nina Davenport: La mujer documental
Hace tiempo conmemorando el tercer aniversario del atentado de las torres gemelas, se emitió en canal 33 un documental que me mantuvo en todo momento en vilo. Dicho documental se titulaba "Parallel Lines" y estaba dirigido por una tal Nina Davenport. En él se narraba, a modo de diario de carretera, el viaje de regreso, cámara en mano, de la propia directora desde San Diego a Nueva York tres años después de la caída de las torres gemelas. Nina confesaba que a pesar de ser toda la vida de Nueva York nunca llegó a ver el desastre de forma directa. Precisamente, comentaba, su apartamento se encontraba orientado hacia las torres por lo que de haber estado allí hubiera sido testigo directo de la catastrofe. Por suerte o tal vez no, la tragedia le había pillado en la otra punta del país. Fue un amigo que cuidaba de su casa, quien le hizo llegar un video del momento del derrumbe filmado desde la ventana de su comedor. Tal acontecimiento la traumatizó de tal forma que decidió no regresar hasta que no se encontrase realmente preparada para ello. Cuando por fin se decidía hacerlo al 2003 solo le queda una semana de vida.

Lo más interesante del documental era su enfoque. La protagonista no solo se enfrentaba a sus temores durante todo el trayecto, la mayoría de veces hablando a la cámara mientas conducía o viendo la televisión tumbada en la cama de un oscuro Motel; también lo más interesante era que en cada una de sus paradas trataba de entablar contacto con otros seres anónimos para conocer (muchas veces de refilón) su punto de vista sobre los atentados (dónde se encontraban en esos momentos, cómo les afectó, qué pensaban sobre la guerra…) y la caida de las torres gemelas. Para rizar el rizo Nina también se interesaba por conocer detalles personales de cada uno de ellos.

Cada personaje tenía algo interesante que contar. Por ejemplo: una dependienta de gasolinera, algo paleta, al principio se mostraba divertida y a la vez avergonzada ante la cámara. Masticaba chicle nerviosa, se ruborizaba o hablaba atropelladamente sobre el tiempo o sobre el estado de las carreteras. Cuando le preguntó a Nina hacia donde se dirigía y ella le contestó que regresa a Nueva York para enfrentarse a la tragedia, la actitud de la mujer cambió. De repente se volvió seria, triste… rompe a llorar. Nina le preguntó si era por el 11-S. Ella le contestó que no, bueno en parte, pero sobre todo porque se acordaba de sus abuelos. Vivían en Nueva York y hacía la tira de años que no podía ir a verlos. Nina le preguntó por qué. La mujer le contestó que era una esclava de ese lugar. No podía abandonarlo. No tenía tiempo ni dinero como para gastárselo en un viaje tan largo. Luego le confesó que tenía tres hijos a su cargo. Entonces enseñó sus fotos ante la cámara. Luchaba rabiosamente por ellos porque su marido la dejó tirada en ese lugar "como una perra"...

Por un momento imaginé que si aquello hubiese sido una película en el siguiente plano veríamos a las dos mujeres montando en el coche y viajando juntas hacia su propio destino. Vamos, una secuela de "Thelma y Louise" en toda la regla. Pero no fue así. Eso era real y mientras Nina prosiguía su viaje, la pobre dependienta se quedaba atrapada en su puesto de trabajo ahogando sus penas en un pañuelo lleno de manchas de mostaza y grasa de la cocina.

Aparecieron nuevos personajes. Yo me imaginaba que aquello no era un documental, sino una serie de televisión con personajes y situaciones nuevas en cada capitulo, vamos como una teleserie producida por la HBO. Eso sí, con una estética más cercana al cine "Dogma" que a un culebrón.

En un momento del viaje Nina hizo un alto en el camino, curiosamente en un bar llamado "Bagdad Café". Le divirtió el nombre. Le gustaba mucho la película, confesó. Dentro del bar se encontró con la típica camarera a la que por supuesto interrogó y a un tipo harapiento y siniestro que le aseguraba era un general infiltrado del pentágono. Éste le comunicó que ya sabía de los atentados cinco años antes de que sucedieran. Al final de la entrevista le anunció que a partir de ahora su vida corría peligro. "Ellos no dejaran que llegues a tu destino...". Con esa terrible sentencia prosiguió su viaje. Durmió en un motel y por la mañana se detuvo en el museo de la bomba atómica. Ahí encontró a un matrimonio que aseguraron haber colaborado en el proyecto Manhattan (aquel que puso a prueba prototipos de bombas nucleares en el desierto) Hablaron de los atentados y de la guerra. Comentaron que lo sucedido en Hiroshima y Nagasaki habia sido necesario para salvar vidas humanas.

Su siguiente entrevistado fue un guía de un parque nacional. Se sentía mal años después de la tragedia, pero si algo bueno había aprendido de todo ello era a respetar a los seres anónimos que pasan cada día ante sus ojos. "Cualquiera de ellos podría haber sido una víctima del 11 –S"… le dijo. Un indio de una reserva de Colorado le hizo una interesante apología sobre lo sucedido en Nueva York comparándolo con las calamidades que tuvo que sufrir su pueblo tras la llegada del hombre blanco.

Dos veteranos de Vietnam, andrajosos y barbudos que vivían aislados en una tienda de campaña, la miron con recelo y se mostraron cien por cien partidarios de la guerra. Un hombre solitario que recogía latas para poder comer le comentó que la tragedia ya quedó atrás "Una lastima, sí…" pero que su vida, y la de los demás debían continuar.

Dos ganaderos de Texas con claras intenciones belicistas y racistas se rieron de los atentados. "Son cosas que pasan"… Un abuelote, que había perdido a su mujer de forma trágica y que apagaba sus penas haciendo de Papa Noel en unos grandes almacenes le insisitió que para él "El atentado fue algo triste pero secundario."

El viaje continuaba y los personajes y situaciones se sucedían unos detrás de otros. Entrevistó a un madurote algo arrogante que se había casado con una joven Costarricense. Ambos mostraban con orgullo a su primogénita. De repente en mitad de la entrevista la mujer se puso a llorar. Quería volver a su país, no se sentía segura en los Estados Unidos. Esa misma noche la noche Nina se encontraba un coyote muerto en la carretera. Al día siguiente un viejo Cowboy le invitó a beber unas cervezas junto a un río. Le confesó que tenía un cáncer terminal y que aquel sitio es donde quería morir. Cuando le interroga sobre el 11- S el hombre le contestó: "Tu si que sabes hacer llorar a un vaquero".

Un viejo de color que vivía en una choza cochambrosa se mostró en un principio feliz hablando con ella. De repente su actitud cambia y le amenazó seriamente con llamar a la policía. "¿Qué quieres de mí?" le grita "¡Lárgate de aquí o llamo al 6611!" Luego se calmó y le cantó una bonita canción. Se habían vuelto a hacer amigos. "¿Cuando volverás?" le preguntó cuando ella montó en su coche. "No lo sé, supongo que nunca." Le respondió Nina. Ambos se despidieron agitando la mano.

Un padre de familia que presumía de haberle regalado un rifle el día de navidad a sus hijos mientras toda la familia lo celebraba practicando tiro en el jardín habló de la necesidad de defenderse ante los atentados.

A pocos kilómetros de Washington entrevistó a una pareja de teens con ganas de escapar de la monotonía de su pueblo, "¿Estaba en los mapas?" Le preguntaron alucinados. Nina aprovechó para darles esperanzas sobre su futuro. También les preguntó sobre el 11 S. Ella registró minuciosamente sus opiniones. Por fin se fue dando cuenta de una cosa. No estaba sola. Ya no era una isla en mitad de la tempestad. Un montón de vidas grabadas en su cámara portátil lo demostraban. Comenzó a sentirse aliviada. Cuando llegó a su destino decidió enfrentarse con la realidad. Ya es año nuevo. Lo primero que hizo es contemplar el paisaje modificado desde la ventana de su apartamento. Luego se marchó decididamente a visitar la "Zona Cero".

El documental se encuentra a la venta en Amazon sin subtitulos en castellano. Ignoro si en otros medios de descarga existen o se puede encontrar el ducmental con ellos insertados. Es curioso al ser de la HBO que no se haya editado con pista en castellano. Aun así es de visión obligatoria, no sólo por lo qué cuenta y cómo lo cuenta, vuelvo a hacer hincapíe porque te atrapa como si se tratase de una especie de resumen de una serie de televisión.

Joyas de la animación: Sebastian´s Voodoo

2008-07-21T18:41:00.001+02:00

La noche de los Kalamares y II

2008-06-29T21:21:00.007+02:00

2ª Parte: ¿Por qué “El incidente” es la única película de M. Night Shyamalan que me ha gustado?

Muchos tras leer este titular os habréis pensado que me he vuelto loco o que algo extraño me ha sucedido. O que no soy yo quien está escribiendo este articulo sino un fan incondicional de Shyamalan. No, todo lo contrario. Tampoco os penséis que estoy de cachondeo. Ojo, he dicho que me ha gustado, no que sea una obra maestra. Aun hay distancias inconmensurables para que llegue a eso. El incidente “The Happening” (2007) me ha gustado más que cualquiera de las películas de este sujeto por la sencilla razón que por una vez en su filmografía no asoma la nariz por ninguno de los fotogramas de la película. También porque por una vez en su vida parece haber asumido la lección, bajarse del burro y hacer un guión (algunas veces torpe pero interesante, Dios mío yo diciendo esto de Shyamalan…) sin apenas trampas. Vuelvo a insistir no es un buen guión, tan sólo un producto desprovisto de molestos tics y que trata en todo momento de ser diferente a lo que este personaje ha hecho. Es como si no fuese suyo…

Me gustó la idea de ese peligro invisible que curiosamente desvela a mitad de la película a modo de absurda teoría y que va tomando cada vez mayor convicción a medida que los personajes se van enfrentando a él. Falla el final, en la granja de la mujer perturbada (Betty Buckley, la madre adoptiva de la mítica serie “Con Ocho Basta”). Corta el ritmo. Tampoco me gustó ese Happy End de “No puedo estar separado de ti y me importa una mierda que me vuelva turumba y haga alguna gilipollez” y que luego no suceda nada… Tendría que haber sido menos Spielberg. También sobra el epílogo en Paris. No pega ni con cola ni siquiera aporta nada.

“El incidente” podía haber sido una película redonda pero no es así (por suerte jajaja). Todos sus protagonistas actúan como el culo, sobre todo Zooey Deschanel, que deberían retirarle la licencia de actriz para el resto de su vida (la escena, casi al principio, donde trata de disimular la llamada de su amante es del grado 9 en la escala desastrosa y una de las secuencias más pésimas de la historia del cine.) Tampoco actúan con convicción Mark Wahlberg y John Leguizamo. Es más, parecen principiantes que no se saben sus papeles y no acaban de saber cómo enfrentarse ante la cámara. Algunos de sus diálogos y “momentos” son de vergüenza ajena. Me gustó el ritmo y la confusión del entorno, nadie sabe lo que pasa y todos parecen atolondrados sin saber cómo reaccionar, un punto de vista muy real.

Pienso que el golpe al ego de Shyamalan tras “La Joven del Agua” le ha hecho reflexionar. De niño mimado y de Dios reencarnado se ha convertido en ser humano, pero con algún que otro ramalazo de divinidad de vez en cuando. Es posible que su ego se haya derrumbado cual gigante de barro y ha decidido escribir una obra mucho más sencilla, sin trampas, sin giros estúpidos y con una premisa interesante pero que no ha sabido sacarle todo el jugo necesario. Una lástima para los que le adoran y un alivio para los que lo detestamos.

La noche de los Kalamares I

2008-06-26T11:42:00.014+02:00

1ª Parte: ¿Por qué detesto hasta lo inimaginable a M. Night Shyamalan?

Para quien me conozca dedicarle un post (en este caso doble) a un personaje tan nauseabundo como M. Night Shyamalan es algo fuera de lo común. No sólo hablar de él me produce todo tipo malestares de sino que también logra ponerme de muchísima mala leche. Es de las pocas personas que logra sacar lo peor que hay en mí. Me transforma en una especie de Mr Hyde desbocado. Entonces os preguntaréis ¿Por qué puñetas hablas sobre él? Muy sencillo: porque me lo piden, a gritos, con ansia, desesperados. Y yo como soy muy cumplidor y muy amigo de mis amigos pues hablo sobre este ser a pesar de sentir un desprecio inimaginable acerca de su carrera como cineasta.

Mi primer contacto con semejante engendro del séptimo arte (me duele considerarlo como director de cine porque si fuese por mí no se merecería dirigir ni un mísero cortometraje de fin de curso) fue con la aplaudida (no por mí, por supuesto) "El Sexto sentido" (1999). He de confesar que fui a verla al cine pagando, cosa que me avergüenzo considerablemente, pero más duele haber perdido 107 minutos de mi vida indigestándome con semejante insulto a la inteligencia. Eso sí, también ya iba al cine a sabiendas de su estúpido y sorpresivo final. No es que nos lo contase nadie, vamos por algún idiota de esos que le gusta estropear finales y se cruzó por nuestro camino, no. Simplemente en casa lo hicimos por deducción. “Niño ve fantasmas y psicólogo trata de ayudarlo, pero claro hay un final en la película de esos que no te esperas ergo psicólogo es un fantasma. Yo y Miguel (mi compañero) igual somos demasiado retorcidos o incluso dignos herederos de Sherlock Holmes y el Doctor Watson pero pudiomos comprobar con alguien que la había visto que tras atar algunos cabos habíamos llegado a la correcta conclusión. Si, Bruce Willis estaba muerto.” En todo eso era lo de menos, que se chafe la sorpresa no significa que el resto de la película sea superflua o pierda interés (como en el caso de “Los Otros”, Alejandro Amenabar 2001, “Homicidio”, William Castle 1961 o “Psicosis” Alfred Hicthcock, 1969) así que fuimos a verla. Vaya ilusos y pardillos fuimos.

A cada minuto de trama que se sucedía en pantalla me iba poniendo de más mal humor. Si hay algo en una película que no soporto es que el director (en este caso un inepto que no sabe cómo solventar un enigma) trate de arreglar un mal guión haciendo trampas chuzas. Aunque mucho vean el guión de “El Sexto Sentido” como la quintaesencia del cine éste tiene más trampas que la tumba donde se inician las aventura de Indiana Jones en “En Busca del Arca Perdida” (Steven Spielberg, 1981) vamos del tamaño de estadios de futbol como el de Maracaná. Si, aunque a muchos de vosotros os cueste negarlo “El Sexto Sentido” está llena de trampas y eso solo sirven para que el puto director se te ría en tu cara, te llamé imbécil y para el colmo después de haber pagado para ver su obra.

Cualquier buen experto en cine me dará la razón en afirmar que el señor M. Night Shyamalan es experto en saltarse las elipsis como le sale de las pelotas. Él siempre es el amo, el innovador, el que va del típico palo: “Lo que ves es lo que vale porque como no tengo ni puta idea como resolverlo te lo vas a comer con patatas. La película es mía y yo la hago con ella lo que quiero.” No, no, no y mil veces no M. Night Shyamalan. No sé en qué universidad estudió usted cine o si su repugnante ego le permitió tomar apuntes de estilo narrativo y elipsis pero no se pueden hacer chapuzas tan ridículas en una película como las que usted suelta en “El Sexto Sentido”. A mí como cinéfilo no me sirven excusas idiotas de: “Como el personaje está muerto y no lo sabe, sólo ve lo que él quiere.” Excusas. Excusas absurdas y baratas. Eso sólo quizá le sirva para devoradores de palomitas y nachos con queso y salsa de tomate con tropezones, de esos que entran con el teléfono móvil encendido en la sala y joden la marrana dando pataditas en la butaca del tipo sentado enfrente. Pero no a una persona que devora películas con devoción, saboreándolas como si se tratasen de una delicatesen. Reconocerlo, “El Sexto Sentido” está lleno de esos chapuceros momentos por ejemplo: como cuando Bruce Willis se encuentra reunido con los médicos, o sentado junto a Tony Collette esperando que llegue el Osmet a casa. O cuando se presenta a Willis tras el descarado prólogo comentando que tiene un nuevo paciente… a lo que te preguntas ¿Quién puñetas lo ha contratado otro fantasma? Trampas, trampas y mil veces trampas chuzas, absurdas para engañar al espectador y quererle llevar al terreno del director, engañarlo ruinmente y dejarlo lobotomizado. Sí es cierto que “El Sexto Sentido” tiene sus momentos, pero en su contexto se convierte en simples fragmentos de un tráiler, nada más.

Sobre su posterior filme, “El Protegido” (2000) poco tengo que decir de ella. Fuimos a verla, es posible en cierta forma por ver si Shyamalan había corregido los errores cometidos en la película del niño que ve muertos… Trampas tiene, muchas menos, pero es una película tan aburrida que cansa hasta el propio sueño. Es el típico filme encefalograma plano donde todo va lento, como en un aura de absurdo misterio, donde todo son miradas y silencios en plan cine intelectual al más puro estilo Bergman (con perdón Igmar) o Miguelangelo Antonioni, y con un final que hace patalear de la risa y vomitar las palomitas y de paso los nachos con tomate y queso.

Su mayor estupidez hecha película llega con “Señales” (2002). La cumbre de la mayor estupidez de su carrera (hay quien dice que esa es “La Joven del Agua” pero no es cierto) Otro guión lleno de mas lagunas que el norte del continente americano. Profundas como las Fosas Marianas y rellenas de mierda en vez de agua (por si acaso uno de sus aliens alérgicos al H2o Mete la pata allí dentro o decide pegarse un baño). Esta es la última vez que pague por ver algo de este tipejo y poco me faltó para ese día quemar el cine y pegar al acomodador y a la taquillera que me había vendido la entrada. Si en “El Sexto Sentido” insultaba la inteligencia, en esta la escupe y se orina y defeca en ella hasta quedarse hueco. Es tan pobre en recursos que hasta tiene que salir él en mitad de la película para contar cosas que el espectador no acierta a comprender. Eso sí, con suposiciones tan absurdas como: “He visto que no dejan señales donde no hay agua por lo que debes ser alérgicos a ella…” Bueno tampoco dejan señales al lado de los MC Donnald, de la carpa del Cieque du Solei, del zoo cerca de donde habitan las jirafas, del barrio judío de Nueva York, del Blockbuster de la esquina y si nos ponemos de la caravana donde Stephen King escribe sus novelas… Pero claro todo es una alegoría, una alegoría salida de un pedo de su culo porque no hay quien se la trague. No sé, igual ese día se me olvidó ponerme el gorrito de papel de plata con la punta orientada al espacio para entenderla, o no estaba preparado para ver su obra, como me dijo un día un iluminado que se le hacia el culo Pepsicola cada vez que se hablaba de Shyamalan. ¿Pero alguien se cree a unos marcianos alérgicos (bueno se mueren) al contacto con agua que deciden invadir un planeta cuya superficie es el 70% de dicho liquido? ¿Si deciden invadir un planeta con algo tan nocivo para ellos por qué no vienen protegidos? ¿Cómo saben construir naves y hacer dibujos estúpidos en los campos de maíz cómo es que no saben abrir puertas de madera de una granja chuchuría?

“Noooo, vessss como no la entiendessss Es que la película eso, incluso es lo de menos. Va sobre la fe y como Dios utiliza diversos elementos para que un capullo con cara de Mel Gibson vuelva a recobrarla” “Vale, entonces, ¿si lo importante es que recobre la fe que coño hacen los putos aliens aterrizando en Rio de Janeiro, Egipto o Delhi?” Dejadme de nuevo que me ría, me mee (sobre la cara de un alien o de Shyamalan) y acabe mareado y sin apenas aire. Añadir que “Señales” como comedia es una obra maestra, pero no como una película seria y filosófica o metafísica o cualquier cosa New Age que suene bien. Para eso ya tenemos “Encuentros en la Tercera Fase , (Steven Spleiberg, 1977) Contact (Robert Zemeckis, 1997) o si nos ponemos la interesante pero maldita Alien Nacion (Graham Baker 1988)

Con “El Bosque” (2004) empezó mi etapa "sentado en la butaca de casa para ver a Shyamalan". Lo que me permitía ver la película (si se le puede llamar así) pararla, verla en trozos a cuenta gotas (para que no se produzcan daños al cerebelo), irse a mear, cagar o prepararse un bocata (o las tres cosas a la vez) ¡ah! e incluir llamar por teléfono a tus amigos mientras la vas viendo. Si “El Protegido” aburre “El bosque” produce cáncer. Su tono ridículo, su guión anodino, su falta de garra (se la prestó toda a los estúpidos Muppets que pueblan la arboleda que rodea el puebelcito de marras) la convierten en un perfecto posavasos si te la regalan en DVD. Bueno encima ha de salir él camuflado por un periódico para contarte de nuevo cosas que no explica en el guión. De puta pena.

En “La Joven del Agua” (2006) Shyamalan destapa por fin las cartas. Él no es un cineasta no, es Jesucristo Salvador reencarnado de nuevo en la tierra, pero en este caso en vez de multiplicar peces y panes, o caminar sobre las aguas, escribe guiones y convence a grandes masa de seguidores a unirse a su estúpida y burda religión. Como viene siendo habitual en él (a modo de piñón fijo) otra vez utiliza el símbolo del agua como elemento recurrente (que siiiiiiiii, que ya sabemos que de pequeño casi te mueres ahogado en una charca pero no nos lo refriegues por la cara que nosotros no tenemos la puñetera culpa) y con ello el rollo (super importante) de los colores (como si se tratase de un alumno aventajado de la Gestalt) en esta peli el protagonista no es Paul Giamatti ni Bryce Dallas Howard, ¡es ÉL! Si, con mayúsculas y si es posible con luces de neón. La chorrada que cuenta es que una ninfa que vive en una piscina (claro si no le echan cloro se llena de bichos) llega al mundo, agonizante, porque un iluminado interpretado por Shyamalan debe salvar a la humanidad con una de sus obras. Lo demás no importa. Es superfluo. Sólo vale ÉL, ÉL ,ÉL, ÉL, ÉL y mil veces ÉL. Quizás para mí es la menos criticable de su carrera porque como ya he dicho antes es donde realmente se ve el ego de este personaje, donde por fin muestra su cara y enseña lo que realmente quiere vendernos. El algo intrínsecamente unido a un niñato repelente que desea destacar en cualquier vertiente de arte y realmente carece de duende.

Próximamente: La Noche de los Kalamares II. El Incidente.

Con la cámara en la mano.

2008-06-19T19:23:00.011+02:00

Es curioso que sea el cine el que últimamente tome prestado elementos del lenguaje televisivo y no sea todo lo contrario. Supongo porque desde un tiempo esta parte es la televisión quien ha ganado bastante más público al séptimo arte, sobre todo con la proliferación de series y todo tipo de documentales político sociales. El uso de narrar una historia desde la perspectiva del cámara no es nueva. Lleva haciéndose desde hace tiempo, sobre todo desde la llegada de la televisión. Títulos como C'est arrivé près de chez vous ("Sucedió cerca de su casa". Rémy Belvaux, 1992) o The War Game (Peter Watkins, 1965) son claro ejemplo de ellos, pero no son los únicos. Ahora parece ser que género “Cinema Verité” resurge de sus cenizas sobre todo respaldado por algunos directores de pedigrí como Steven Spielberg con su monumental comienzo de “Salvad al Soldado Ryan (1998) o Brian De Palma y su reciente Redacted (2007).

Parece que el cine televisado es ahora un buen aliciente para tratar de dar nuevos aires a la industria. Sobre todo para directores de todas las tallas rebajen su condición de divos y entren a formar parte de la trama ya sea camuflados tras una cámara o bien convirtiendo su proyecto en un pastiche de medios audiovisuales cada vez más lejanos al cine tradicional. Que sí, que muchos saben muy bien que internet y concretamente youtube se han alzado para que personas anónimas puedan mostrar sus obras al público. Es por esto que muchos de ellos no se han querido quedarse atrás y demostrando que son incluso capaces de hacer una película a la misma altura y semejanza a la de directores amateurs repartidos a lo largo del todo el planeta.

Dejadme entonces hacer una comparativa a modo de comentario crítico sobre algunas de las películas más emblemáticas de este nuevo género cinematográfico:

Diary of the dead (George A. Romero, 2007)

Romero se reinventa a sí mismo, como zombi que es (no hay más que ver su aspecto para percatarse de ello) nos presenta una película que se parece más a un experimento de fin de curso (casi como su ópera prima) que una película filmada por un profesional. Es interesante que decida dejar de lado cualquier lenguaje cinematográfico, vamos, purista, para prestarse a hacer todo tipo de piruetas y burradas con una o dos cámaras, ya sean digitales, desde el objetivo cutre de un teléfono móvil o incluso desde un circuito de video vigilancia para crear con ello una obra divertida, aunque a veces algo forzada, llena de buenos clichés pero que no llegará nunca a la altura de sus anteriores obras "zombicas".

Redacted (Brian de Palma, 2007)

¿Por qué da la sensación qué la última película de De Palma no es más que un divertimento? ¿Dónde está la denuncia? ¿Por qué da la sensación que la olvidada Corazones de Hierro (Casualties of War, 1989) es una obra maestra comparada con este drama político social? Sí, De Palma juega con los nuevos medios, lo hace de forma algo torpona, sobre todo con los actores, forzados y poco naturales. Imprescindibles para que el resultado final fuese redondo e interesante. Pero no hay magia, no hay fusión. De Palma pierde el norte jugando con las cámaras y desparramando por todos lados una historia en un guión algo fallido, poco pulido. Quiere innovar, aportar un lenguaje nuevo pero nunca llega a ningún lado. Una lástima, sobre todo con una obra basada en un hecho real que podría haber dado mucho más de sí.

El Proyecto de la Bruja de Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999)

Que puedo decir de este experimento que conmocionó a las masas, pero no a todas. Pese a no ser la pionera, antes habían habido más. Demostró que con cuatro duros podía hacerse algo que revolviese de la tumba la industria cinematográfica, saturada de efectos especiales y monigotes animatrónicos de latex. Pese al prolongado sopor que suponía tener que ver a esos tres palurdos perdidos por la montaña sufriendo todo tipo de bromas estúpidas por parte de Myrik, Sanchez hay que reconocer que creó un cierto interés por parte de nuevos cineastas por mostrar otra cara del terror desde otra perspectiva mucho más cercana.

Holocausto Cánibal (Ruggero Deodato, 1980)

Para mí la mejor del genero. Por mucho que digan que es una obra de ficción cuando uno ve sus imágenes (aunque sea una veintena de veces) a uno siempre le corroe la duda. Por lo menos en mi caso. Aquí la cámara es la protagonista absoluta. Muestra cosas, las exhibe, sin tapujos como si de un documental del National Geográfic se tratase. Su función es la de presentarse como un documental y quizás ahí juegue ventaja respecto al resto de películas. Nos la vendieron así y así muchos la asimilaron. Es una obra perfecta dentro del género con una suerte de detalles que dejan helado a más de uno, la muerte del guía por la serpiente y su aspecto de cadáver en el suelo con el rostro macilento y afilado aun no ha sido superado por nadie, está a la altura de cualquier noticia truculenta de los telediarios.

REC (Paco Plaza y Jaume Balagueró, 2007)

Sorprendente, inteligente sobre todo por el uso de cámara que se asusta y es pillada desprevenida como le sucede al resto de habitantes atrapados en el angosto inmueble. Lo que muestra resulta creíble, pese a algún fallo tontorrón y efectista que se le puede perdonar. La muerte del bombero que cae por el hueco de la escalera es tan real, tan inesperado que nada más pensar en ello aterra y se queda impregnada en la memoria durante mucho tiempo. Como si la hubieses vivido en el mundo real y tus propias carnes.

Cloverfield (Matt Reeves, 2008)

Otra forma de presentar el miedo hacia lo desconocido. Uno se lamenta cuando ve esta película como no se le ocurrió utilizar el mismo lenguaje a Steven Spielberg en “La Guerra de los Mundos”. Cuantas cosas habían cambiado…¿Quién no tiene hoy en día una cámara? ¿Quién en toda Nueva York no hizo uso de ella el fatídico 11-S? ¿Cómo una película tan sencilla y directa en planteamiento (monstruo se pasea por una metrópoli destruyendo y comiéndose a diestro y siniestro mientras un grupo de supervivientes lo filman) no se le había ocurrió antes a alguien? Aquí los cámaras no son soldados, ni profesionales del cine documental, ni de la televisión (aunque sea local) ni estudiantes de cine- No, son transeúntes anónimos con muy poca habilidad para enfocar un plano y utilizar el lenguaje cinematográfico como si se tratase de un profesional. Si es cierto que a veces parece una película forzada en muchos aspectos pero estoy seguro que si en vez de un atentado terrorista un monstruo hubiera devastado una parte de Nueva York habríamos visto escenas como las que se presentan en la película.

Caspa mágica: Xanadu (Robert Greenwald 1980)

2008-06-16T14:10:00.011+02:00

¿Alguien en su sano juicio sabría decirme que clase de mente iluminada dio el visto bueno para sacar a la luz semejante aberración fílmica? Supongo que sería la misma persona que eligió a Olivia Newton John para hacer el papel de Sandy Olsson, una supuesta niñita quinceañera en Grease (Randal Kleiser 1978) cuando ésta contaba con 30 años y alguna que otra pata de gallo más. Volviendo a lo inverosímil ¿Alguien se pudo llegar a creer el papel de “lagartona” de Olivia en los últimos 10 minutos de Grease? Creo que no soy el único. Pero eso no importaba ¿Qué edad pensáis que tenía Judy Garland cuando protagonizó El Mago de OZ (Victor Flemming, 1938) haciendo de la pequeña Dorothy? El público estaba enamorado de Olivia Newton John desde Grease y le importaban tres pimientos que ella hiciera el ridiculo, cualquier cosa que plasmase en la pantalla y estaría magnifica, vamos como si le daba por anunciar compresas cantando con los pajarillos.

El proyecto de Xanadú era como una especie de pulpo de varias patas, aunque yo diría que era más el desespero de ciertos supervivientes en salir airosos de un naufragio. No siempre funciona la premisa de “Si es una película musical con Olivia Newton John seguro que funciona” es como decir hace menos de una década que “Si sale Anthony Hopkins o Sean Connery” es un peliculón de por lo menos 15 Oscars. No, hay cosas que no pegan ni con cola. Si, había muchos intereses de que Xanadu fuese un éxito. Pero del dicho al hecho hay mucho trecho... Por un lado se quería potenciar la carrera como actriz de la Newton John (cosa que acabó destruyéndola por completo), también se trató de dar un empuje a la carrera de Jeff Lynne con su Electric light Orchestra cuyo resultado final era más bien insulso, las canciones no pegaban ni con cola a excepción del The Fall (titulo premonitorio) o del tema principal, interpretado por la Newton John, bajo la envidiosa mirada de Lynne (en realidad quería cantarlo él cosa que hizo años más tarde en un enesimo recopilatorio de la ELO) tampoco ayudaron a la banda de Birmingham a salir a flote, es más, los acabó de hundir mucho más profundamente en el lodo. Otro fiasco que se veía venir fue tratar de “resucitar” la carrera de Gene Kelly, que seguro dormía plácidamente en el geriátrico el día que firmó el contrato o posiblemente se había olvidado tomar las pastillas para la memoria o la ocrdura; y por último se trató de darle un empuje a Michael Beck, recién llegado de la exitosa miniserie Holocausto (Marvin J. Chomsky, 1978), y que se paseaba por los planos de Xanadu como pidiendo socorro y sin saber muy bien de qué puñetas iba la trama de la película. Por suerte fue el único que supo quitarse el San Benito al estrenar al año siguiente un título tan emblemático como The Warriors (Walter Hill).

Hablando de su trama… Xanadu es un pastiche de ideas, que si bien hubieran sido filmadas en plena época de los grandes musicales es incluso posible que hubiera cosechado un mínimo de éxito. Pero no precisamente en los 80 cuando la música disco agonizaba y el Punk sobresalía más que las crestas de quienes las llevaban. El esquema es el mismo de todas las películas románticas. Chico conoce a chica, chico se enamora de chica, chica se enamora de chico y suenan campanas de boda “Tachan… tachan… chupiguay del paraguay” Pero no se a que alma de cántaro se le ocurrió darle un giro a la historia y convertir a la chica en una estúpida musa que se pasea con patines como una mosca cojonera, vestida de gasa rosa y soltando todo tipo de frases estúpidas como: “¿Sabes lo que significa ser besado por una musa?” o “En Xanadu hizo Kubla Khan una imponente cúpula de decreto placer…”

La aparición de un tercero en discordia, Danny McGuire (Gene Kelly), como un clarinetista jubilado que no tiene otra cosa que hacer que dar el coñazo a los bañistas en la playa de Santa Mónica, acaba de poner puntilla a semejante barbaridad. Su función en Xanadu es apoyar a Kira (Olivia Newton John) para ayudar al chico Sonny Malone (Jeff Beck) a crear una super discoteca donde cientos de engendros alelados y vestidos de horteras puedan bailar sin parar calzados con estúpidos patines en tonos fosforito. El chico (supongo que el aire de la playa como que le afecta la mollera) decide que es una buena idea y deja su trabajo de ilustrador de portadas de discos (bueno su futuro estaba condenado al olvido gracias a la inminente aparición del CD) para embarcarse en tal aventura. A todo esto Kira y Sonny se han conocido en los muelles depués de que ella apareciese literalmente de una pared llena de grafitis horteras, como si la hubiese atravesado pero sin dejar huella. Él choca con ella, se enamora y decide utilizarla como protagonista de la portada de un disco en el que está trabajando, supongo que de Olivia Newton John porque claro ambas se parecen horrores… Basta decir que ella también se enamora de él pero claro resulta que es una Musa y además hija de Zeus (seguro que éste se transformó en aguja de tocadiscos y copuló con la diosa Long Play para crear semejante mojigata) por lo que le está prohibido tener relaciones sentimentales con un mortal, ni aun y así de que éste pueda convertirse en dibujo animado a su antojo (dibujado por Don Bluth) al más puro estilo Disney y embutirse en una canción de la ELO más cursi que un guante con chorreras. Pero bueno al final todo se arregla. Sonny y Danny montan la horripilosa discoroller, Kira pide a su padre que le haga una mujer (me refiero a que la haga mortal) y al final acaban todos patinando (Gene Kelly ayudado de 45865847 hilos de nylon como si fuese una marioneta) alrededor de una pista llena de luces de colores. Kira canta Xanadu y al final de la canción le entra una especie de orgasmo cosmico y estalla en una nube de purpurina rosa (toxica) en mitad del escenario. Luego regresa como si nada.

Claro está que Xanadu no cosechó éxito alguno. A no ser de película más ñoña y edulcorada de la historia del cine, de esas que prohibían a los diabéticos entrar en las salas a riesgo de acaba garrapiñados. Es curioso que Robert Greenwald, su director desviase su carrera hacia la televisión y sobre todo hacia el cine antibelicista. No coment…

Por cierto existe un musical sobre la película por si alguien se acerca a Broadway y quiere verlo.

Saved From the Flames: Cuando el cine era un experimento.

2008-06-13T01:29:00.010+02:00

Hay joyas de incalculable valor editadas en DVD que merecen un puesto de honor en una buena DVD teca que se precie. Son auténticos regalos para la vista, sólo para la vista porque para el oído más bien que no. Hace un tiempo llegó a mis manos un ejemplar de esta recopilación que me dejó más que maravillado. Son tres DVD llenos de pequeños pedazos de la historia del cine. Obras que han sido rescatadas de diversos archivos cinematográficos y que han sido restauradas evitando que con el tiempo se desintegren o desaparezcan para siempre. Ya sé que acercarse a los orígenes nos es nada fácil, sobre todo si se está acostumbrado al cine actual donde imperan los efectos visuales y los guiones más o menos elaborados (es un decir). Pienso que es necesario conocer la prehistoria del 7º arte, de ver como los pioneros se la ingeniaban para salir adelante con medios que hoy en día nos producirían más de una carcajada. Es interesante, incluso ver como cientos de hombres y mujeres lucharon por hacer del cine no sólo un negocio, sino un modo de entretenimiento de masas, como algunos de ellos no se conformaron en actuar, sino que lucharon por experimentar e incorporar nuevos elementos a la ciencia de captar y narrar imágenes en movimiento.

La colección de fragmentos que podréis encontrar en este DVD está dividida en varios apartados:

New Beginnings: Habla de los comienzos del 7º arte, de las primeras filmaciones , de obras inéditas de los Hermanos Lumière, de los primeros experimentos con el uso del color (pintado a mano o con técnicas mucho más laboriosas; de los primeros usos de sonido en el cine (más bien a modo experimental y anecdótico que práctico) Destacan: Exiting The Factory (Lumière 1896) y Arrival of a train (Lumière 1897)ya míticas por ser las primeras imágenes en movimiento captadas por una cámara; Card Party (Lumière 1896) un ejercicio de filmación básico aprovechando una partida de poker entre los empleados de Lumière; la inquietante Kobelkoff (1900) que seguro haría las delicias, o ha inspirado a genios actuales como David Lynch o David Cronemberg; Dance Serpentine (In a Lion´s Cage 1900) o como atormentar a un pobre animal con tal de hacer cine; Cyrano de Bergerrac (Phono Cinema Théâtre 1900) coloreada y con sonido grabado (pesimamente) de un cilindro de cera y La Marseillase (Georges Mendel 1907) un sorprendente experimento sonoro con mejores resultados que el anteriormente citado y que daría pié, años más adelante a implantar el sonido en las películas.

Magical movies: En este apartado encontramos piezas dedicada a los padres de los primeros efectos especiales cinematográficos. Algunos son burdos trucos de magia, otros son verdaderas maravillas. Destacan: Excelsior- Prince of Magicians (Georges Méliès 1901) donde se combinan trucos reales de magia con trucos generados por la cámara; The Talion Punishment (Gaston Velle 1906) una extravagancia de efectos visuales y color utilizando la técnica denominada Stencil, protagonizada por una mariposa; Kiriki, Japonese Acrobats (Segundo de Chomon 1907) realizada por el primer director de cine español (o por lo menos uno de los pioneros) y del que podéis ver un fragmento un par de post más abajo; An Excursion to the Moon (Segundo de Chomon 1908) un homenaje de Chomon a la obra de Méliès podría decirse que se trata del primer remake oficial de un filme; The Automatic Moving Company (Romeo Bosetti 1911) la primera película en utilizar la técnica Stop Motion y que es una verdadera delicia para la vista.

Seeing the world: En este apartado se exponen los primeros documentales de mundo del celuloide. Obras que servían para dar a conocer al mundo (incapacitado para viajar por los cinco continentes) lugares y sucesos lejanos a modo de estampas de otros extraños mundos. Destacan: The Seine Flood (Eclipse 1910) un mini reportaje sobre las consecuencias de una inundación del rió Sena en la ciudad de París; Over the Top (A Battle with the elements) (Earle Films 1915) una joya digna de ser vista sobre un arriesgado viaje en coche por la Norteamérica profunda; A Visit to Los Angeles (Ford Motor Company 1916) un reportaje sobre la principal fábrica de la empresa automovilística Ford situada en la meca del cine; Montmatre´s Kids (1916) un reportaje denuncia sobre la pobreza en uno de los barrios más destacados decalles de la capital francesa; The Dirigible Los Angeles (1924) Otro documental inolvidable sobre un intenso viaje en dirigible desde Alemania a Estados Unidos; In the land of Giants and Pygmies (Aurelio Rossi 1925) un documento filmado a todo color sobre las culturas primitivas de Africa; Technicolor Fashion Parade (Fashion Features, Inc 1927) un pase de modelos a modo de experimento utilizando el Thecnicolor; Charles A Lindbergh, Hero of The Air (Fox-Case Movietone 1927) biografía sobre las hazañas de este héroe de la aviación; The Fireman of The Follies- Bergère (with Josephine Baker (1928) una crónica sobre la vida cotidiana de los bomberos parisinos y apadrinada por la sublime Josephine Baker; Me Down at Coney Isle (Fox Magic Carpet of Movietone 1932) un documento sobre la vida cotidiana de varias ciudades americanas.

Laughting like we used to: Aquí podernos descubrir los primeros Slapstics (comedias de trompazos) del mundo del cine. Destacan: The Dancing Pig (Pahté Frères 1907) un vaudeville bizarro que haría las delicias de Terry Guilliam; The Monkey Race (Italia Film 1909) los quebraderos de cabeza de una familia muy a lo Monty Python por rescatar un mono no hace más que detrozarles la casa; I Fetch the Bread (Pathé Frères 1907) una comedieta simpatico sobre lo que secede si enviamos a dos borrachines a buscar pan durante una comida familiar; Artheme Swallows his Clarinet (1912) las desventuras de un clarinetista a lo largo de su paseo por la ciudad; Kid´s Auto Race (With Charles Chapin)(Keystone Film 1914) Segundo film de Chaplin con su rol de Charlot, una auténtica maravilla; The Pest (With Stan Laurel) (G. M Anderson 1912) una de las primeras películas en solitario de Stan Laurel mucho antes de asociarse a Oliver Hardy; Lizzies of the Field (Mark Sennet 1924) estrafalaria comedia de Sennet sobre un tipo que conduce una cama por la carretera antes de asociarse con Chaplin.

Drawings and models: Un repaso a los primeros dibujos animados y animaciones mucho antes que Disney se hiciera con el imperio de la animación artesana. Destacan: Fantasmagorie (Emile Cohl 1908) una deliciosa pieza dibujada a trazos simples de coor blanco sobre un fondo negro; Cartoon Factory (Max Fleischer 1924) mezcla la técnica del Stop Motion con la animación clasica, dicen que esta pequeña obra maestro inspiró a Disney para crear su heroína Alice In Cartoonland; The Orient- Tony Sarg´s Marionettes (1929) película sonora realizada integramente con marionetas clásicas; Ain´t She Sweet (With Lilian Roth) (Max Fleischer 1932) una innovadora mezcla de Karaoke y de musical animado con inserción de escenas filmadas con personajes de carne y hueso; Ballonland- Un Iwerks (Cinecolor 1935) musical psicodélico sobre un ciudad hecha de globos de colores, incluidos sus habitantes; Play Safe (Max Fleischer 1936) impresionante cartoon del creador de la mítica Betty Boop donde utiliza un rudimentario pero sobresaliente 3D para darle cierto volumen a los dibujos.

Grace notes: Primeros musicales filmados. Destacan Radi –Ators (With the Utica jubilee Singer) (1929) Balck and tan (With Duke Ellington Orchestra) (1929) Lous Armstrong in Copenhagen (1934) Jazz Hot (With Django Reinchardt) (1936) todos ellos soberbios sobre todo para amantes del jazz y el swing.

Persuade me: Primeros trailers comerciales para las salas de cine. Tocan desde la publicidad pura y dura hasta la llamada a las urnas de futuros electores. Destacan: California Election News #2 (1934) Week-End (With Fernandel) (1938) Cotte nuit- la (With Jacques Tati) (1935) Clo-Cloche (With Michel Simon) (1935) MGM Promo Reel (With Laurel & Hardy) (1936) Master Hands- Chevrolet Motor Co, Jan handy, USA) (1936) Phipils Boradcast of 1938 (George Pal 1938) Yankee Doodler (1942) Rosie The Riveter (1943) Dear Arabella (1942) Hel bent for Ellection (Chuck Jones) (1944)

Tell me a story: Las primeras películas dramáticas de la historia del cine. Destacan: For His Son (D.W.Griffith 1912) cine en estado puro; Suspense (Lois Weber & Phillips Smalley 1912) un thriller al más puro estilo Hitchcok; The Heart of an Indian (Thomas Ince 1912) uno de los primeros westerns en ahondar en la cultura india.

One for the Road: Un único clip llamado Stolen Kisses (1920s) a modo de homenaje a la película Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore 1988) un recopilatorio de los mejores besos robados de la historia del cine de la década de los 20.

Verano de Corrupción: This is England (Shane Meadows, 2006)

2008-06-11T16:30:00.005+02:00

El verano de 1983 no va a ser un verano corriente para el pequeño Shaun (Thomas Turgoose) Su padre acaba de morir en la absurda guerra de las Malvinas (Falklands para los ingleses) y lo que promete ser una época vacacional sumido en el más absoluto de los aburrimientos cambia radicalmente de tercio cuando, tras una pelea con un compañero de colegio, Shoun se encuentra con una panda de Skinheads con los que despierta una rápida simpatía. Su supuesto líder, Woody (Jo Hartley) lo adopta como alevín y se lo lleva por todos lados participando en todo tipo de juegos y juergas momentáneamente inofensivas. Shoun descubre lo que son los amigos, pasárselo bien con ellos y sobre todo entra en contacto con el amor cuando se declara a Smell (Andrew Ellis) una skin bobalicona que le dobla casi en tamaño y edad. Pero no todo es pasárselo bien aunque sea verano. La llegada de Combo (Stephen Graham) antiguo líder del grupo, mucho más radical que Woody, que acaba de abandonar la cárcel hará que las cosas no sean como antes. Se presentan aires de cambio. El ocio se transforma en lucha y el odio rompe lazos entre los que antes fueron una vez amigos. La inocencia de Shoun se pone en juego y si inexperiencia y frustración por la muerte de su padre le hace tomar la decisión equivocada.

This is England es una película que toca a fondo varios temas. Uno de ellos la perdida de la inocencia donde todos los niños llegados a cierta edad desean crecer y demostrar al mundo que son hombres. Si el mundo está hecho una mierda el cambio y las ganas de cambiarlo son más radicales. Otro tema que toca es la confusión. Shaun no seba distinguir lo que es juego y lo que es guerra. Él quiere pasárselo bien, no le importa cómo ni con qué. Es un niño, es verano y ahora tiene nuevos amigos a los que serles fiel con tal de ser aceptado. Otro asunto a destacar de esta película es como no educa la cárcel. Combo sale de ella mucho más violento que como entró, tiene las ideas tan distorsionadas, tan envenenadas que es incapaz de rehacer su vida y sí sumirla en el odio, sobre todo hacia sus propios amigos, concretamente contra Milky (Andrew Shim) de origen Jamaicano.

Hay quien ha definido This is England como la obra del hijo mutante de Martin Scorsesse y Kean Loach. Shane Meadows tiene un poco de ambos, retrata muy bien la sociedad de los suburbios de Inglaterra y toma muchas ideas del genio yankee. Su tono semidocumental le da un toque de “cinema verité” que lo acerca más a un reportaje televisivo que a una película. Meadows sabe retratar muy bien la década de los 80 y es que This is England tiene algo de biográfico por lo que la premisa: Escribe sobre lo que conozcas aquí encaja a la perfección.

La prehistoria del cine: Kiriki. Japonese Acrobats 1907.

2008-04-14T19:53:00.002+02:00

Esta joya del cine mudo fue filmada para Pathé Fréres en 1907 por el cienasta y pionero español Segundo de Chomon. Su maestría en el dominio de los efectos especiales y la coloración de negativos.

The Deaths of Ian Stone (Dario Piana, 2008)

2008-04-11T21:13:00.004+02:00

Hace unos días que llegaron a casa una serie de películas llamadas “8 Films to Die for… Horror film Festival”. Todas ellas forman parte de una especie de festival de Sundance del terror que se celebra desde el 2006 en los Estados Unidos.

Hay que decir que salvo la interesante “Mulberry Street” del resto de títulos no tenía ni la más remota idea de que me podía encontrar. Eso es a veces lo mejor que tiene el riesgo. He de decir que de lo visto hay un promedio mucho más elevado de películas buenas o interesantes que bodrios infumables llenos de refritos paupérrimos. Precisamente una que nos sorprendió bastante es “The Deaths of Ian Stone” (Dario Piana, 2008) una producción británica con un presupuesto no muy holgado pero con unos efectos especiales sobresalientes.

La película cuenta las vicisitudes del pobre Ian Stone (Mike Vogel), un jugador de Jockey y una especie de yuppie en pleno apogeo que de repente, y sin saber por qué, muere asesinado por una especie de aparición sobrenatural. Pero no es todo lo que parece, ya que de repente Ian despierta como de un extraño sueño en otro lugar, con otra profesión y con un momentáneo estado de amnesia. Así día tras día o incluso en espacios tan reducidos como horas o minutos. La trama se va complicando con la aparición de unos espectros que persiguen a nuestro protagonista, una misteriosa mujer llamada Medea (Jaime Murray) tan bella como letal y una cándida rubita llamada Jenny (Chistina Cole) que, como nuestro protagonista se ve atrapada en esa vorágine de muertes desagradables a cada cual más sanguinaria y horrenda.

He de decir que la película consigue enganchar y afortunadamente dura lo suficiente como para no caer dentro de lo cansino o lo previsible. Si es cierto que flojea un poco en su final (no me gustan mucho los Happy End edulcorados) pero deja abierta la posibilidad de crear una serie de películas con este pequeño e interesante universo que su autor nos ha presentado.

La película no es por ello muy original. Bebe mucho de otras películas como “Atrapado en el tiempo” (Harold Ramis, 1993), “La escalera de Jacob” (Adrian Lyne 1990) o incluso los dos últimos títulos de la saga Harry Potter pero no por ello deja de ser digna. Sobre todo ante un cine fantástico repleto de clichés y remakes infumables todos sin pena ni gloria o de dudosos éxitos del cine sobrenatural recién llegados del lejano oriente.

King Of Kong: A fistful of Quarters (Seth Gordon, 2008).

2008-04-10T19:24:00.009+02:00

Desde hace un tiempo me estoy habituando a ver documentales. Claro en nuestro país es difícil hacerse con algunas de estas joyas por lo que nos obligan a recurrir, en muchísimos de los casos de la importación o de una burra que corre por Internet.

Claro, el principal problema en estos lares es el poco interés por el docudrama. Solo unos cuantos privilegiados (el cansino “Michael Moore”, el oportunista “Al Gore” o el agridulce “Morgan Spurlock”) han conseguido traspasar fronteras y llamar la atención de un determinado público.

No me imagino una obra (brillante y muy divertida) como “King of Kong: A Fistful of Quarters” como estrenada en cualquier cine o multisala, como el caso de “Boowling for Columbine” “Una Verdad Incomoda” o “Super Size Me”. En primer lugar la temática, una legendaria competición entre jugadores de maquinas recreativas concretamente la de “Donkey Kong”, no es muy atrayente para algunos espectadores. La cultura de los videojuegos aun es algo pensado para un espectador juvenil y en absoluto para personas de una supuesta mentalidad sesuda o concienciada con temas mucho más sociales. Una lástima. Por que se pierden uno de los mejores documentales de la historia del cine.

“King of Kong: A Fistful of Quarters” narra la historia de un pique. Un reto entre jugadores de salones recreativos de los 70 que se pasaban horas y horas con sus granos en la cara y su mirada lerda jugando a “Pac Man”,” Q-Bert”, “Oust” o “Donkey Kong”, en vez de estar ligando con las pibillas. Eran los típicos tíos feos de la clase que le sudaban las manos y que se dejaban crecer una especie de pelusa a la altura del labio superior (normalmente demasiado pronunciado para asomar una dentadura equina repleta de sarro). El documental habla de uno de ellos Billy Mitchell , el típico un paleto que va de triunfador por la vida (ha creado una empresa de salsas barbacoa) y que es más hortera que un cerdo con un diente de oro. El tipo es un cromo. Verlo pasear el palmito produce risa instantánea y mucho más aun cuando hace alarde de su éxito. Vamos arquetipos como este a puñados en cualquier bar o chiringo de playa del territorio español. Salvo que este es yankee con lo cual es más deprimente.

Su némesis es Steve Wiebe un tipo mucho más normal, ex ingeniero de Boeing, profesor de ciencias de una escuela de Redmon, Washinton, padre de dos niños y un personalidad algo obsesiva compulsiva, sobre todo debido a sentirse toda su vida como el típico perdedor. El tipo un buen día le da por mirar por internet una web especializada en informar sobre las mejores puntuaciones en maquinas recreativas de los 70 u 80. En ello descubre que Billy Mitchell es el campeón mundial de Donkey Kong (si, la del gorila garrulo que lanza barriles al pobre Mario Bros.) Así que decide superarlo, se compra una máquina recreativa con el juego y comienza a practicar en el garaje de su casa.

Al principio la cosa no le va muy bien pero el tipo se pone muy cabezón y se dedica a hacer todo tipo cálculos de secuencias con un lápiz blanco sobre la pantalla de la maquina y gracias a ello va superando una a una las más de 200 pantallas del juego. A través de la misma web consigue ponerse en contacto con una vieja gloria de los campeonatos de maquinas arcade, un ex hippy con pinta de lunático que ahora es arbitro en este tipo de eventos, a aparte de webmaster de susodicha web. La noticia del desafío no tarda en llegar a oídos de Mitchell, el tipo tiene todo tipo de sicarios (todos salidos de una película mala de empollones y fracasados de instituto) que se encargaran de poner las cosas difíciles, es un decir, a Wiebe y que producen la risa incontrolable en cuando ves con que fidelidad y devoción profesan al impresentable de Mitchell. Tras un estrepitoso fracaso en un campeonato cerca de su estado, consigue llegar a la última pantalla del juego, pero uno de los sicarios (un tipo odioso y baboso) consigue ponerlo de los nervios por lo que no llega a la puntuación necesaria para ganar. A todo eso Mitchell ni se presenta, se niega a competir, él es el mejor sin duda alguna. Su endiosamiento no le deja mezclarse con la plebe por lo que envía un (discutible) video en el que en ningún momento se puede verle a él jugando donde supera su propio record con creces. Cuando Wiebe pide ver el video el baboso se niega en rotundo con una estúpida sonrisa de esas en la que si estuvieras allí le estamparías los morros de un puñetazo. Nuestro héroe, pese a pasarse toda la competición jugando se marcha llorando de rabia e impotencia al hotel donde le espera su familia.

Cuando todo parece perdido aparece otra nueva oportunidad para él. Un nuevo campeonato justo en la misma ciudad en la que vive Mitchell…

No voy explicar más porque hay que verlo. Lo mejor de todo es que esta historia es verídica y no tiene guión alguno, es decir no son actores profesionales con una trama inventadao para la ocasión. Lo mejor del docudrama es la esencia que quiere transmitir y que no es más que a nadie le gusta perder y, sobre todo acerca del espíritu de superación, tratar de demostrar a los demás, a los que nos quieren que podemos hacer cosas inusuales por lo que se sien tan orgullosos de nosotros. Cueste lo que cueste. Aunque al final no sea como nosotros esperábamos ni deseábamos. No hay moralina, ni “Happy End” ni siquiera final chungo. Es mucho más que eso. Es real como la vida misma.

Trailer oficial:

Something in The Mist!!!! (The Mist, Frank Darabont 2007)

2008-04-10T17:50:00.013+02:00

Hace un tiempo. Mucho pero mucho tiempo era fan de "Stephen King". Devoraba sus novelas como quien devora hamburguesas o chucherías mientras ve una película de serie b en la televisión de su casa. Hacía tiempo que me venía quejando de la escasez de adaptaciones de sus obras para cine. La fiebre por llevar a la pantalla grande cualquiera de sus obras tuvo su apogeo y su declive en la década de los 80. La obra escrita a partir de su desenganche con substancias nocivas parecía no interesar a nadie. Incluso a un gran número de sus fans (en los que me incluyo yo mismo).

Obras como "El juego de Gerald"(1992), "El retrato de Rose Madder" (1995), "Un saco de Huesos" (1998), "Casa Negra" y su antecesora "El Talismán" (escritas junto a "Peter Straub" en 2001 y 1984) , "Buick 8: Un Coche Perverso" (2002) o "Cell" (2006) aun esperan ser adaptadas a la gran pantalla, algunas, incluso, ni eso. Solo una pocas de esa época oscura del rey del terror han podido ver la luz de los focos y los efectos especiales. De ellas destacan "Dolores Clairbone" (1993), "La Milla Verde" (1996) y "Cadena Perpetua" (basada en el relato "Rita Hayworth o la Redención de Shawshank", 1982) han sido las más notables. Estos dos últimos títulos pasaron por las manos de "Frank Darabont" que supo equilibrar con gran acierto la esencia de los relatos y convertirlos en dos pequeños clásicos de cine Norteamericano.

Darabont se ha prodigado más por los guiones que por la dirección, suyos son algunos de los episodios de “Las Aventuras del joven Indiana Jones” o “Tales Form The Crypt”; también firma la trama de "La Mosca II" (1989), "The Blob" (1988) o "Mary Shelley´s Frankestein" (1994). Su carrera de director se centra en tres títulos emblemáticos. Las dos adaptaciones de las novelas carcelarias de King y "The Majestic" (2001) una incomprendida película con el siempre irascible "Jim Carrey" que rinde homenaje al universo de "Frank Capra".

Parece ser que Darabont se siente cómodo con la obra de King porque su última película "The Mist" (2007) le vuelve a salir más que redonda. En "The Mist" no se habla de cárceles , aunque el claustrofóbico supermercado donde se encierran los protagonistas de la película para sobrevivir nos recuerde en algunos momentos a una especie de prisión. "The Mist" habla de lo desconocido, de la sociedad yankee acomodada que vive exclusivamente del consumo, asilados de cualquier agresión (es un decir) y que la llegada de algo extraño, en este caso una colección de monstruos (que hubieran hecho las delicias del mismísimo "H.P. Lovecraft") de un lugar fuera de esta dimensión los transforma y los enloquece haciendo aflorar los miedos más primitivos y las pasiones (religiosas) exacerbadas.

Quien haya leído la Novelette (un término que se da a las obras que no llegan a novela pero que tampoco son cuentos) se sentirá más que satisfecho. Yo leí "La Niebla" (publicada por "Grijalbo" en 1986) Fue una de esas obras que te transporta, como la niebla de la historia te envuelve y no la puedes dejar de leer. Yo por aquella época estudiaba Bellas Artes y combinaba a todas horas la lectura con la pintura y la música. Era de aquella época tan enriquecedora para mi creatividad. Solía escuchar el álbum “Rendez- Vous (1984) de "Jean Michael Jarre" mientras leía "La Niebla". Era la banda sonora perfecta para aquel relato. Siempre se habló de adaptarla pero nunca llegaba el momento. Mejor, para mí lo que tenía en mente era lo valido y como yo cientos de miles de lectores en todo el mundo. Hay libros que no se han de tocar, adaptarlos puede ser desastroso.

Pero mira por donde la versión de Darabont de "La Niebla" cumplía con todo lo que habíamos soñado los que admirábamos las desventuras de "David Dryton" y su hijo. La película es una pequeña obra maestra que hay que verla como un cuadro, no de una sola vez, tiene muchas lecturas y muchos detalles que recoger con cada uno de nuestros cinco sentidos. "The Mist" tiene ese sabor a película de televisión, a mini serie, a serie B casi A. Huele al terror y fantástico de los años 50 o 60. A película de autocine. Puede verse en color o en blanco y negro (para vuestra información esta filmada en dos versiones y ambas son posibles de ver en la versión de coleccionista en DVD que acaba de salir en los EEUU) Si, ya sé que se podía bajar el tono de color en la TV pero la versión filmada en blanco y negro por Darabont (él la imaginó en un principio así, tal y como cuenta en el DVD pero le obligaron a estrenarla en color por miedo a la reacción negativa de un público poco acostumbrado a virtuosismos cromáticos) no se basa en quitarle color al televisor. Esta cuidada e iluminada como los antiguos maestros del cine.

"The Mist" suena a rugidos desconocidos desde la nada, al bello pero siniestro tema "Host Of The Seraphim" de “Dead Can Dance” y que acompaña a los protagonistas los en los últimos minutos del metraje, adornando con la extraña belleza de la voz de "Lisa Gerard" el caos y la destrucción tras la llegada y conquista de los seres primigenios. Pero sin duda es precisamente en ese tramo donde se acentúa el sentido del tacto. Produce escalofríos de verdadero terror sobre todo durante los últimos minutos en un final que va levantar muchas ampollas y que rinde homenaje a otros finales en absoluto esperanzadores como los de “La Noche de los Muertos Vivientes” (1969, George A. Romero), "El Salario del Miedo" (HG Clouzot ,1953) o “28 Semanas Después” (Juan Carlos Fresnadillo, 2006). Ese, quizás, sea el punto débil de la película y no porque me haya desagradado, todo lo contrario, lo aplaudía a rabiar y os aseguro que me dejó trastornado durante unos cuantos días, sino porque su duro y malsano impacto visual (y emotivo) acaba por comerse el resto del metraje.

The life & death of Ice Cream.

2008-03-23T01:10:00.004+01:00

Autentica poesía licuada.

Pequeño cuento cinéfilo.

2008-03-08T15:25:00.009+01:00

- Mamá, mamá, acabo de ir a una adivina y ¿sabes qué me ha dicho?
- Qué, hija mía.
-¡Qué voy a ser famosa y que voy a salir en miles de peliculas!
-¡Ay, que ilusión! Por fin vas a cumplir tu sueño! Llamaré a tía Henrietta y a la Sra. Jones para que lo comuniquen en todo el pueblo.
- Pero mamá también me ha dicho una cosa que no acabo de entender...
- ¿Qué cosa hija mía?
- Pues que iba a salir siempre al principio. Como muy quieta y que por culpa de ello iba a estar encasillada de por vida.

Claudia Dell (1910 -1977) a su madre el días antes que la contrataran para ser el logo de la Columbia Pictures.

Confessions of a Superhero (2007)

2008-02-27T17:58:00.008+01:00

¿Quién había dicho que los Superhéroes no tenían un lado más humano del que realmente interpretan ya sea en el cómic, televisión o en la pantalla grande? En mayor o menos medida este formidable documental dirigido por "Matthew Oguens" y producido por "Morgan Spurlock" ("Supersize Me", 2004)
se dedica a retratar las míseras, las penas, las alegría y las esperanzas (algunas más falsas que los propios personajes que ellos emulan) de unos personajes anónimos que se ganan la vida (casi mendigando) haciendo de superhéroes en mitad de la calzada de Hollywood Boulevard. La mayoría de ellos son actores o actrices frustrados, algunos con un pasado muy pero que muy oscuro como es el caso de "Maxwell Allen" que interpreta a "Batman2 que también guarda una extraordinaria similitud con "George Clonney" (por lo menos eso insiste él y su esposa, incansables, a lo largo del metraje llegando incluso a acusar a la industria de menospreciar su “talento” por ello) también tenemos a un algo desquiciado "Christopher Lloyd Dennis" un doble enclenque y algo engreído de Superman/Christopher Reeve (este se le parece bastante) que se pasa el noventa y nueve por ciento de su vida atrapado dentro del traje del Hombre de Acero. Chris presume en todo momento de tener todos los gadgets y merchandising habidos y por haber de su ídolo. No se quita el traje de superhéroe ni para refrescarse de los calores de la calle tal y como podemos ver en una inolvidable y a la vez patética escena a mitad del documental. También podemos contemplar la azarosa vida de "Jennifer Gerht" que interpreta a la "Mujer Maravilla" y cuya vida personal es un fracaso estrepitoso sobre todo después de casarse con un novio tan fortuito como su propio enlace nada más y nada menos que en Las Vegas. Por último encontramos a "Joshep McQueen", un hombre de color, de prominente dentadura (que compara en algún momento con la de "Steve Buscemi") que se esconde bajo un traje grotesco de espuma pinturrejeada para representar al "Increíble Hulk". "Josheph" cuenta de forma animada y ante la cámara como escapó de su pueblo natal, situado en un lugar perdido de la America profunda, tras vender su "Nintendo 64" y comprar un billete de autobús hacia “La Ciudad de los Sueños”. Su objetivo principal como el del resto de protagonistas: convertirse en actor famoso.

Trailer oficial:

Pasado Imperfecto: It Happened Here (1966)

2008-02-27T11:15:00.006+01:00

Hay películas que pasan sin pena ni gloria por salas cinematográficas y cuyo valor artístico y cultural esta fuera de toda duda. Muchas de estas obras son experimentos o bien pequeños mecanismos de relojería lejanos a grande superproducciones donde todo queda impregnado del olor a palomitas y a sonido Dobly Surround. El DVD, o bien Internet permiten recuperar piezas que bien habrían caído en el pozo de los olvidos y en la posibilidad del deleite de poder ser visionadas por el público en general. "It Happened Here" (Kevin Bronlow y Andrew Mollo, 1965) es uno de los más claros ejemplos de ello.

"It Happened Here" narra lo que hubiera sucedido en un pasado alternativo tras la invasión nazi en la isla de Gran Bretaña entre 1940 y 1944. Destaca sobre todo su puesta en escena a medio amino entre el documental y una película clásica tipo “La Sra Miniver” (William Wyler 1942) o “El Puente de Waterloo” (Mervyn LeRoy 1940) Pero sin duda lo que más recuerda es al universo de "1984" (George Orwell, 1948). Al estar rodada en blanco y negro, con bastante grano, sonido casi inaudible (realmente intencionado sobre todo los primeros 10 minutos de metraje) y sin apenas banda sonora (sólo pequeños fragmentos de marchas militares que impregnan momentos concretos de la trama) es por ello que la haga una película cien por cien irreal, casi de ciencia ficción. Todo lo contrario. Todo lo que se ve podría haber sucedido perfectamente. En ocasiones parece estar viendo un documental de la época aun y así con imágenes tan chocantes de tropas alemanas paseándose (y desfilando triunfalmente) a sus anchas por las calles de Londres. También la película no escatima en verosimilitud como los dramáticos fusilamientos en masa de simples habitantes de pueblecitos de la campiña inglesa o luchas feroces contra miembros de la resistencia británica agolpados en casas abandonadas en mitad de cualquier lado. Son imágenes extrañas que dejan huella en el subconsciente de inmediato y no hacen más que hacerte reflexionar sobre cómo sería el mundo su si esto hubiera sucedido en realidad. La trama general de la película se centra en el personaje de Pauline (Pauline Murray) una enfermera que debe abandonar Salisbury una ciudad atormentada por las luchas entre la resistencia y los nuevos amos de Gran Bretaña. Para ello deberá encontrar una buena oportunidad de ejercer su profesión dentro de un ambiente menos agresivo como es Londres. La capital Británica es ahora una metrópoli ahora devastada, sumida en las ruinas, dominada por el ejército alemán y por los grupos ultranacionalistas británicos quienes (supuestamente) creen estar al poder. Pauline es apolítica de convicción pero debe abandonar su ambigüedad si quiere formar parte del denominado "Immediate Action Organisation" (IAO) un cuerpo médico paramilitar un estamento gestionado por las SS y el partido nacional socialista británico, cosa que finalmente hace. Al principio todo es perfecto Pauline incluso llega a lamentar no haber formado parte antes de la nueva Gran Bretaña, pero a medida de que transcurre la trama se irá dando cuenta de que no es Oro todo lo que reluce y que hay cosas que preferiría no haber descubierto. En medio de ese conflicto político y emocional se encuentran un matrimonio amigo formado por el Doctor Richard Fleisher (Sebastian Shaw, más conocido posteriormente por interpretar a Annakin Skywalker en “El Retorno del Jedi”, Richard Marquand, 1983) y Hellen Fletcher (Fiona Leland) que albergan, escondido en su casa, a un partisano malherido. Hay que apuntar que “It Happened Here” no se corta ni un pelo en plantear temas peliagudos como es asunto de los campos de extermino, la eutanasia (hay una escena bastante explicita en la película, curiosamente rodada con verdaderos enfermos de tuberculosis.) y otras lindezas por el estilo. Sobre la película decir, como curiosidad, que entró en el "Guinnes Book Of Records" como la producción más larga de la historia del cine. Si contamos que sus autores contaban 18 y 16 años cuando comenzaron a plantearla tardando 10 años en llevarla a la pantalla.

Imágenes de It Happened Here:

Música (casi) de cine: The Sun's Gone Dim and the Sky's Turned Black

2008-02-21T13:28:00.004+01:00

Me gusta este videoclip. Tiene un aire a película de terror "creepy" con toques a lo Andrei Tarkovsky. El autor del tema: Jhann Johannsson.

Cuidado con los vecinos...: Mulberry Street (2006)

2008-02-14T14:12:00.008+01:00

No voy a negar que “[REC]” (Paco Plaza y Jaume Balagueró, 2007) es una de las mejores películas de terror de esta década. He de reconocer que me gustó y mucho (salvo alguna pincelada hacia el final pero que se puede perdonar con creces); sin embargo no tiene ni punto de comparación con otra obra del mismo calibre llamada “Mulberry Street” (Jim Mickle 2006) y que tan sólo se ha podido visionar en varios festivales. Hay que decir que entre la obra de “Mickle” y la de “Plaza y Balagueró” hay muchos puntos en común, ojo aquí no hablo de plagio ni de falta de originalidad ambas tocan temas semejantes y en escenarios tan familiares como un edificio dentro de un barrio cualquiera de una gran ciudad. La película de “Jim Mickle” es tan claustrofóbica como la de los catalanes aunque a veces se permite al espectador poder respirar un poco de aire (aunque sea contaminado) a través de las ventanas y rendijas que asoman al exterior. Como también sucede con las esplendidas “28 días después” (Danny Boyle, 2002) y su secuela “28 semanas después” (Juan Carlos Fresnadillo, 2007) el terror tiene forma de virus, si bien los ciudadanos británicos y catalanes (estos últimos en el caso de “[REC]”) eran figuras enloquecidas y sanguinolentas en “Mulberry Street” los infectados sufrían en sus carnes una peculiar y desagradable mutación relacionada con las ratas, si, con ese peludo animalejo que a más de uno le produce extremada repugnancia. Mirándolo bien tanto ellas como nosotros somos vecinos dentro de la misma ciudad… Como en todas ellas “Mulberry Street” juega con ese terror cercano que nos sobrecoge, nos impacta y nos sorprende pero sobre todo con ese miedo a que nuestra propios vecinos y amigos se vuelvan de repente contra nosotros. Es miedo al rechazo a ser diferentes. Tanto el “Mulberry” como en ”[REC]” la trama sucede de noche, dentro de un edificio destartalado y antiguo con una fauna y flora de personajes a cada cual más variopinto. La mayoría de la trama sucede en lugares oscuros, angostos y laberinticos aunque familiares. En “Mulberry Street” a diferencia de “[REC]” y en concordancia con la saga “28” no hay escapatoria (ya que salir a la calle supone riesgo de contaminación o una muerte casi segura) La sensación de impotencia, desconcierto y de encontrarse atrapado y sin saber que hacer es semejante guardando claras reminiscencias a los sucesos del 11-S. "Mulberry Stree"t (como el resto de las aquí comentadas) también habla de la podredumbre de la sociedad, de cómo se puede perder de repente el contacto con aquello que nos es familiar o cotidiano y de cómo al ser presas de los cambios forzados estos nos transforman perdiendo la confianza en nuestra propia ciudad, barrio o nuestra propia casa.

Aqui os dejo el trailer oficial de la película:

Terror “duro”: Soft for Digging (2001)

2008-02-14T13:20:00.009+01:00

Hace unos días recibí un post de Sisterboy comentándome si sabía algo acerca de una película llamada “Soft for Digging” (J.T. Petty, 2001) que curiosamente habían comentado en el programa sobre paraciencias y enigmas de “Iker Jimenez” “ Cuarto Milenio”. Como no vi el programa (tampoco me interesa mucho) no sé a qué cuento venía el comentar la película en él. Bueno sí, supongo que me hago una idea ya que “Soft for Digging” no es una película romántica tipo adaptació de novela (plasta) de “Jane Austen”, todo lo contrario. Toda ella respira de una malsana rareza , un tufo a podrido y a veinte mil cosas más horrendas que no tienen definición. He de decir que “Soft for Digging” no es una película apta para todos los públicos, ni siquiera es apta para los amantes del cine de terror convencional. Podría definirse como un experimento terrorífico. Al fin y al cabo no es más que un proyecto de fin de carrera que ha gozado de una buena oportunidad de poder ser visionado en diferentes Certámenes y festivales. Nosotros tuvimos la oportunidad de verla en pantalla grande hace ya unos siete años en el festival de Cine Fantástico de Sitges no sólo una, sino ¡dos veces!. Y lo pongo entre admiraciones porque fue el propio “J.T.Petty” autor de la misma (y el guión del video juego “Spilnter Cell“ (2002) o de la película “Mimic III: Sentinel” (2003)) quién en un divertido intercambio de Mails se sorprendió ante nuestra pasión por su opera prima. ¿Qué tiene “Soft for Digging” que no tenga ninguna otra película? Pues muchas cosas. En primer lugar su duración 70 minutos, luego tenemos su ritmo calmado dividido en capítulos (a lo Barry Lyndon, Stanley Kubrick (1975), su carencia de diálogos (creo que solo dicen dos palabras en toda la trama) y su puesta en escena (“America Profunda” hasta la médula). La película narra cómo la apacible y monótona vida de Virgil Manoven (Edmon Mercier) en su cabaña de campo se ve truncada al presenciar (tras perseguir a su gato por el bosque) el asesinato de Claire (Sarah Ingerson) una niña regordeta en manos de un tipo bastante extraño (Andrew Hewitt). La primera cosa que hace Virgil es huir del lugar del crimen como alma que se la lleva el diablo. Cuando llega a su cabaña llama a la policía y ésta, después de un rastreo de la zona no parece encontrar indicio de ningún crimen por lo que dejan al viejo como un chalado de tres al cuarto. Cuando llega la noche Virgil comienza a soñar con la niña. Ésta se le presenta en una forma fantasmagórica y le muestra el lugar exacto donde puede encontrarla, enterrada entre varios árboles en un terreno muy blando (de ahí el título de la película) y hasta aquí voy a leer… “Soft for Digging” no se ha estrenado nunca en cines, supongo debido a su anómala duración y a lo extraño de su lenguaje cinematográfico. Si puede encontrarse en DVD a través de tiendas On Line como Amazon. No dispone de subtítulos (ni falta que le hacen para lo poco o nada que hablan) También para curiosos o amantes de la burra os informo que también circulan varias copias para descargar. La película cuenta con su propia página web, donde podréis hasta poner en contacto con el propio J. T Petty y comentarle, criticarle, machacarle y vilipendiarle si después de ver su obra os gusta o la acabáis odiando a muerte.

Mis terrores favoritos: Phantasm (1979)

2008-02-09T09:34:00.000+01:00

Recuerdo cuando se estrenó “Phantasm” (Don Coscarelli 1979), yo tenía unos 12 años y era muy susceptible a las películas de terror. Me gustaban pero apenas tenía la oportunidad de poder verlas ya que el video aun no había llegado a nuestras vidas y en los cines existían unos señores muy serios, vestidos con traje o uniforme, que impedían la entrada a mocosos de menos de 14 años. Mis padres y mi hermana si fueron a verla y claro, entre lo que había oído y lo que me contaban uno se montaba su propia película. Por aquel entonces tenía un amigo de colegio que como yo le gustaba mucho dibujar comics. Hacía versiones dibujadas de las películas del momento. El tipo era todo un artista y tenía un trazo envidiable. Era un genio. Lástima que era también un incomprendido en su casa y su arte no estaba muy bien visto, sobre todo por su madre. Él conocedor de esa animadversión dibujaba a escondidas y ocultaba su colección de comics partículas en una caja de madera debajo de su cama. La veces que iba yo a su casa , cerraba la puerta de la habitación y sacaba su cofre de tesoros en los que había versiones libres de las aventuras de Spiderman, Batman, La Patrulla X, Los 4 Fantásticos y en especial de varias películas de terror del momento. Entre ellas se encontraban , “Star Wars” (George Lucas , 1977), “Superman The Film” (Richard Donner 1978), “Holocausto Caníbal” (Ruggero Deodato, 1980) y “Phantasm”. Él, como yo, no había visto la película, su primo si porque era mucho más mayor. Gracias a ello había ejercido de guionista y mi amigo era quien puso el bolígrafo para darle vida sobre el papel. Así fue como vi por primera vez la película, sentado en el suelo de la habitación de mi amigo y dibujado sobre un puñado de folios doblados a modo de comic. Hay que decir que quedé fascinado. Todo lo que me habían contado estaba allí. El hombre alto (Angus Scrimm), Mike (A. Michael Baldwin), Reggie (Reggie Bannister) la pitonisa ciega (Terrie Calbus) dibujados con mucho detalle. Busqué la escena de la bola voladora, la de la fotografía antigua en movimiento, la de los extraños enanos recorriendo un camino de piedras en un extraño planeta, el dedo convertido en mosca… Estaba todo. No faltaba nada. Recuerdo llegar a casa super excitado y haberle contado a mi hermana que había visto “Phantasm”, bueno una versión dibujada de la misma. Aun y así, desde aquel momento pude discutir algunas escenas y momentos de la película con ella o con quienes ya la había visto. Cuando llegó el video fue una de las películas que tenía en mente para visionar (bueno, me hice una lista de títulos que era interminable) ver por lo menos de una forma correcta (decente seria menospreciar a mi amigo y pese a la rivalidad artística entre ambos admiraba mucho su arte). La vi, Me gustó. Me llamó la atención su estilo tan surrealista de mostrar el miedo. Tan onírico. Los efectos especiales me impresionaron, ese dedito moviéndose solo dentro de la caja, esa bola voladora perforando cráneos… No me defraudó. “Phantasm” es una película que he visto en otras ocasiones a lo largo de los años. Son de esas películas que no pierden calidad ni frescura a lo largo de los años. Quizás por su peculiar esencia de realismo mágico con tinte macabro. Hay que reconocer que tiene unos diálogos absurdos, llenos de clichés y una banda sonora monotemática, no descarto que creada de forma intencionada para darle ese toque música que aparece en los sueños y que perdura durante horas después de haber despertado. A Coscarelli se le ha calificado de Maestro del Terror, prueba está que ha sido invitado a formar parte del elenco de directores de ”Masters Of Horror” con el título “Incident on and Of Mountain Road” (2005). Como sucede con George A. Romero y su Zombis le ha caído el San Benito de crear nuevas aventuras de Reggie , Mike y El hombre alto a lo lardo de dos décadas. Phantasm ya va por su quinta entrega (se estrena este año); atrás quedan Phantasm II (1988), “Phantasm III: Lord Of The Dead” (1994), “Phantasm IV: Oblivion” (1998). Seguidores la saga tiene a puñados. Merchandising sobre las películas lo hay también a puñados, no a un nivel como Star Wars o Star Trek pero por Ebay o Amazon o tiendas de coleccionismo a lo largo de Internet o en cualquier gran ciudad que se precie pueden encontrarse cosas curiosas relacionadas con las películas de Coscarelli. Por cierto éste ha encontrado un nuevo filón en forma de nueva saga. Se trata de “Bubba Ho-Tep” (2002) y “Bubba Nosferatu and the Course of She Vampires” (2207) donde una momia, tras despertar de su letargo persigue incansablemente a personajes como Elvis Presley o a John Fitzgerald Kennedy.

Estos niños son raritos: El Otro /The Other (1972)

2008-02-04T12:58:00.002+01:00

Hace unos días, en casa, gracias a la magia del DVD, pudimos ver una de las grandes joyas del terror de los 70. Se trata de nada más y nada menos que de “El Otro” (The Other, Robert Mulligan, 1972). La cinta viene a englobar ese fenómeno (producido en la época de los pantalones de campana y música disco) denominado “Terror Psicológico”; un género, bien sea dicho, con obras clave como “El Exorcista” (The Exorcist, William Friedkin 1973) o “La Profecía” (The Omen, Richard Donner 1976) donde el eje común en todas ella era como la maldad ya no era patria potestad de monstruos ni seres de otros mundos sino que podía esconderse dentro de la inocencia de un niño. A ver, niños ( y niñas) cabrones ha habido siempre en el cine. Tenemos como ejemplo a la horrenda Christine Penmark (Nancy Kelly) de “La Mala Semilla” (The Bad Seed, Mervyn LeRoy 1956) que tras sus tiernas ( y enrevesadas) trenzas doradas surgía un ser más indigno que pegar a un padre con una escobilla del WC usada; o quién no recuerda a la repelente Mary Tilford (Karen Balkin) en “La calumnia” (The Children´s Hour, William Wilder 1961) que con su boquita de piñón (o mejor dicho de cañón para misil termonuclear) amargaba la vida de sus profesoras Karen Wright (Audrey Hepburn) y Martha Dobie (Shirley MacLaine). Si, no cabe duda , el cine está lleno de niños y niñas cabrones. Pero si es cierto que cuanto más “ancianos” (cinematográficamente hablando) son esos niños más retorcidos y terribles resultan. Los niños malos de los 90, o de la década actual, son simples aprendices comparados con sus tocayos de Blanco y Negro o Technicolor. Son burdas copias. No asustan ni a la piedras. ¿Alguien se acuerda ya de Henry Evans (Macaulay Culkin) en “El Buen Hijo” (The Good Son, Joseph Ruben 1993) o del vomitivo Junior Healy (Michael Oliver) en “Este Chico es un Demonio” (Problem Child, Dennis Dugan 1990)?

Volviendo de nuevo a “El otro”… Veréis hacía tiempo que no la había vuelto a ver. La última vez cuando en televisión emitían cine como Dios manda (podéis imaginar que de eso ya hace la tira de años…) Guardaba un gran recuerdo de ella, no en todo su contexto en sí, porque entre otras cosas la tenía muy oxidada y sólo rememoraba ciertos detalles turbios que me invitaban a otorgarle un nuevo (y ansiado) visionado. Reconozco que como a otros muchos la tenía mitificada y eso, a veces da un poco de miedo para volver a enfrentarse a ella no sea que por un lado me lleve una desilusión o pierda toda esa magia que la hacía destacar entro otras tantas. He de decir que la reposición no me defraudó en absoluto. Salvo a que ya había varios tics que no conseguían sorprenderme (debido a como han chupado de ellos más de una docena de directores a lo largo de los años, una pena) Quitando este detalle “El Otro” se me mostró tan perturbadora como interesante, tan malsana como bella, tan ingenua como peligrosa. La mano de Robert Mulligan (New York 1925)se hace notar en todos sus planos guardando en cada plano ese aire costumbrista ya visto en “Matar a un Ruiseñor” (To Kill a Mockingbird 1962) otra de sus obras maestras o en “Verano en Luisana” (Man in the Moon, 1991) su última película hasta el momento. En “El Otro” hay muchos toques de cine Europeo sobre todo del cine de Bergman. El ritmo de la trama es pausado por no decir bucólico en algunos momentos. Aparentemente no hay indicios de tensión o terror alguno, todo se narra de forma natural sin buscar efectos de golpe (ni ruiditos, ni portazos, ni orquesta dando sustos con golpes de nota ni cámara mareada al hombro y con unos cuantos frames de menos...) lo que se agradece. La historia de “El Otro” narra la extraña y casi “secreta” relación entre Niles y Holland Perry dos hermanos gemelos (Chris y Martin Udvarnoky) algo raritos y amantes de practicar extraños y esotéricos juegos con el resto de habitantes de su comunidad, aunque sienten cierta predilección por tocar las narices a diferentes miembros de su familia, por cierto emigrantes soviéticos huidos de la revolución Rusa. Todos ellos viven en una granja dentro de una pequeña comunidad de pequeñas casas situadas en mitad de campo. La abuela de los niños Ada (Uta Hagen) siente predilección especial por uno de ellos ya que éste posee la extraña habilidad de sintonizarse con cualquier ser vivo en el que enfoque su mirada. Ella le ha enseñado a hacerlo, es un legado familiar y se siente orgullosa de trasmitirlo a una nueva generación. La madre de los niños sufre una profunda depresión debido a un terrible suceso familiar que oculta con mucho recelo. Su enfermedad le impide hacerse cargo de los suyos y apenas sale de la habitación, si lo hace se siente inquieta ante su entorno y entra en sollozos cuando aparecen ante su mirada un antiguo pozo de agua de la finca. Y hasta aquí puedo leer... He de decir que la película no se ha editado aun en DVD en nuestro país. “El Otro” puede encontrarse en tiendas de importación o en webs especializadas tipo www.amazon.com o www.dvdgo.com. Dispone de subtítulos en castellano y audio en inglés y audio en castellano neutro. Los amantes de las descargas pueden bajársela de donde ya saben en su versión en Inglés con subtítulos o también sin ellos.

Trailer oficial de la película:

¡Qué vienen los Blancurris!

2008-02-04T11:07:00.000+01:00

"Pánico en el Transiberiano" (Eugenio Martin, 1973) o mejor dicho "Horror Express" como fue conocida en otros lares, pertenecen a uno de mis mayores recuerdos cinéfilos de mi más tierna infancia. Yo siempre la he sobrenombrado como "¡Qué viene los Blancurris!" un titulo que fue impuesto por mi tía (una gran miedosa de cuidado) después de ver en la tele, junto a mi hermana y mi prima el "trailer" de la película.
"Pánico en el Transiberiano" cuenta con la presencia de dos grandes del terror como Peter Cushing y Christopher Lee. En esta ocasión ambos son aliados y luchan contra la presencia de un homínido congelado, e introducido por Lee dentro de una caja, en un tren con rumbo no se sabe muy bien donde. Durante el viaje conoceremos otros personajes. Tenemos al inspector de turno (Julio Peña) que posteriormente servirá como receptáculo del extraterrestre que habita dentro del bicho; la ayudante tipo "Señorita Marple" (Alice Reinheart) que acompaña a "Cushing" y que luce un peinado digno de los dibujos de "Jack Kirby"; hay una condesa polaca interpretada por "Silvia Tortosa" (ejem); un cura loco (Alberto de mendoza) con pinta entre "Rasputín" y "Sandokan" que sólo sabe decir frases como "Es el diaaablooo..." mientra se arrodilla y hace ver que reza; una espia muy lagarta (Helga Line), vestida de camarera de restaurante chino cutron, que dura menos que un canapé en una fiesta de diseño y un cosaco con la cara de "Telly Savallas" que parece preguntarse todo el rato que puñetas hace allí.
Bueno la cosa es que el bicho se pasa buena parte de la película saliendo de su jaula y haciendo de las suyas, generalmente borrando cerebros de los pasajeros gracias a su visión con tecnología "Wi Fi" y de paso dejandoles los ojos más blancos que ni lavados con lejía (de ahí el sobrenombre de los blancurris) A lo largo de la película "Cushing" y "Lee" descubren cosas como que el bicho ha visto mucho mundo y que es muy valioso para la ciencia (lo descubren justo después de haberle matado y arrancado un ojo) aunque lo no saben es que el verdadero bicho está dentro del inspector que por cierto tiene una mano peluda como recuerdo de su encontronazo con el engendro. Bueno, al final en una reunión con todo quisqui lo descubren simplemnete apagando las luces del tren (es que resulta que los ojos Wi Fi brillan de un color rojo intenso en la oscuridad delatándolo de forma apabuyante) el inspector/bicho se ve acorralado y entonces le da por despertar a sus victimas que avanzan en fila india por los vagones en busca de sangre fresca. Al final "Cushing" y "Lee" se llevan a unos cuantos supervivientes al vagón de cola, lo desenganchan y despeñan el resto del convoy con monstruo y ejercito de "blancurris" en su interior.

Hijos de los hombres.

2008-01-31T19:17:00.001+01:00

De vez en cuando el cine nos ofrece verdaderas joyas de esas que te impactan y tardan mucho de curar. A veces el cine nos ofrece obras cuyo daño es tan irreversible que la herida es pútrida y hay que amputar y aun así suelen dejar graves secuelas. Otras veces la herida es tan limpia y sanadora que su marca dura pero no duele. Este es el caso de Hijos de los Hombres la última obra de Alfonso Cuarón. La película cuenta la historia de un futuro cercano (situado en el 2027). La humanidad agoniza. Hace 18 años hubo una nueva cepa de gripe que aniquiló a millones de personas y los que sobrevivieron descubrieron que eran estériles. En la tierra ya no hay niños. El ser más joven del planeta es un muchacho de 18 años, convertido en una estrella mediática y que, por fatalidades de la vida, acaba asesinado por uno de sus fans. La acción de Hijos de los Hombres transcurre en Londres. Un lugar desgarrado por la violencia, el caos y los enfrentamientos entre sectas nacionalistas. Theo (Clive Owen), es un desilusionado ex activista ahora convertido en burócrata. Su antigua compañera sentimental (Juliane Moore), se pone en contacto con él. Ella es una paria y está considerada para la sociedad como la cabeza pensante de un grupo terrorista llamados Los Peces. Juliane (curiosamente se llama así su personaje) le comunica a Theo que tiene un secreto para compartir que si sale a la luz puede llegar ser una verdadera bomba de relojería dependiendo, claro está, en cuales manos caiga… A partir de entonces el viaje de Theo se convierte en un sin parar. Si Londres es un lugar más o menos seguro (cosa que vemos que no es así) las afueras es una jungla llena de peligros en los que sobrevivir se transforma casi en un milagro. Y hasta aquí puedo leer… Por lo menos en lo referente a la trama película. Creo que Hijos de los Hombres no es una película de ciencia ficción, por lo menos tal y como la conocemos. Podríamos englobarla en ese grupo de películas cuya veracidad, pese a la ficción, las convierten en casi un documental o en un reflejo de la realidad. Dentro de este grupo podríamos inlcuir, Blade Runner, LaHora Final, Alien, A Scanner Darkly, 28 Dias Después o incluso Amanecer de los Muertos. El terror o la ficción no es de mentirijillas, son tan reales como la vida misma. Son un miedo tangible, cotidiano, que puedes encontrártelo en todos lados. El monstruo de Alien es creíble, y por qué no, posible. También es posible la plaga que en Hijos de los Hombres esteriliza la humanidad conduciéndola a una agonía tan lenta y devastadora como lacónica y poética. Y la cámara está allí, como si se estuviese en esos momentos rodando un documental. Todo lo que te rodea es verosímil. Nada, por muy extraño que aparezca, se sale fuera de lugar. Es un autentico viaje en el tiempo. Un viaje hacia un universo paralelo, posiblemente el nuestro o uno no muy alejado de nosotros. La película está repleta de momentos inesperados, que el espectador, acostumbrado ya a mil y un trucos de guión, agradece. Su final es, aunque parezca lo contrario, desesperanzador. Te deja sentado en el sofá, preguntándote millones de cosas, imaginándote tu situación y tu reacción dentro de la trama. Ignoro si la novela de P.D.James, en la que se basa la película, consigue eso. Es muy posible. Pero si os aseguro que la película lo consigue.

Lucky Louie

2008-01-31T19:16:00.001+01:00

Hay Sitcoms y hay Lucky Louie. Después de visionar unos cuantos de sus episodios uno se da cuenta de porqué la HBO ha decidido cancelarla. Ojo, y no es porque la serie sea mala. Todo lo contrario, es una de las mejores Sitcoms de la década. Lo que sucede es que el humor acido, gamberro y algo chabacano de Louis C.K. no está preparado para según qué mentalidad, y los Yankees (no todos gracias a Dios) pero si desgraciadamente una gran mayoría no está preparada para ello. La serie habría triunfado en los 80 en cualquier rincón de EEUU, pero en estos tiempos tan pudorosos e hipócritas sólo le han podido dar una triste y simple oportunidad (y eso que ya tenían preparado ocho nuevos episodios para su segunda temporada). Doce episodios componen la primera y única temporada. Son doce verdaderos regalos para la vista y el oído. Todo ellos geniales de principio a fin. Lucky Louie narra la paupérrima vida de Louie (Louis C.K) y su familia. Fijaos si son tan pobres que por no tener ni tienen apellidos. Kim (una sobresaliente Pamela S. Aldon) es su mujer. Ella trabaja de enfermera en un hospital de mala muerte y es quien lleva todo el peso de la economía de la familia ya que Louie malvive dentro de una empresa de silenciadores de tubos de escape y apenas gana ni para comprarse una docena de Chupa Chups. Tenemos también a Lucy (Kelly Gould) la hija única, petarda y contestataria que, con sus cuatro años de edad, demuestra una mayor madurez que la que desprende el fortachón de su padre. Louie tiene secretos, le gusta practicar onanismo dentro del armario de la cocina y come donuts a escondidas de su mujer, pero claro, con lo simple que es acaba siendo descubierto. El trío no está solo. Ni mucho menos. Una serie de personajes, a cada cual más friki les acompañan. Tenemos al cuñado Jerry (Rick Shapiro) un colgao que no tiene donde caerse muerto (a que me suena eso…) y que vive de las caridades de su hermana. Por otro lado tenemos a Rich (Jim Norton) y a Mike (Mike Hagerty) compañeros de trabajo de Louie y tan mal hablados que harían sonrojar a cualquier afectado del síndrome de Tourette. La mujer de Mike llamada Tina (Laura Kightlinger) es la mejor amiga de Kim, ambas intercambian confidencias acerca de lo desastrosa que es su vida sentimental, sobre todo en el plano de lo sexual. Aunque aun y así Mike y Tina ese punto lo llevan muchísimo mejor que la pareja protagonista. Cierran el círculo de personajes el matrimonio de color compuesto por Walter (Jerry Minor) y Ellen (Kim Hawthorne) vecinos de Louie y Kim que evitan a toda consta relacionarse con ellos. Cosa que casi nunca consiguen. ¿Pero qué tiene esta serie que no tengan las demás? Todo. Es políticamente incorrecta, los personajes hacen cosas que no verías jamás ni en programas semejantes como Mi Nombre es Earl o incluso The Young Ones. Los personajes no tienen reparos en salir en pelota picada en una escena (tanto hombres como mujeres) follan sin tapujos y sueltan todo tipo de barrabasadas verbales. Se insultan y se maltratan en todos los sentidos. Vamos un Sitcom tan real como la vida misma. Cuidado, pero cuando digo que el programa es incongruente no significa que ofenda tanto para que no sea divertido. ¿Es inmoral? Lo pongo en duda. Lo que si destaco de Lucky Louie es que sus guiones son mucho más que divertidos, y eso cuesta encontrarlo en un genero tan lleno de personajes anodinos y plasticosos como los protagonistas de FRIENDS y/o sucedáneos.

Extras

2008-01-31T19:14:00.001+01:00

Andy Millman (Rick Gervais, The Office) sueña con ser actor, deja su aburrida vida de empleado de banca, se busca un agente e intenta ganarse un terreno en el mundillo del cine. Pero tras cinco años lo único que consigue es hacer de simple y mero extra. Pero no está solo, a lo largo de la serie le acompaña Maggie (Ashley Jensen), su eterna amiga y cuyo único interés en la industria del cine es encontrar un maromo. La serie, una tragicomedia producida por la BBC y la yankee HBO en su filial británica, no es larga en ningún de los sentidos. Seis episodios, cada uno de media hora aproximadamente, pero eso sí, muy bien aprovechados. Cada corte tiene el nombre de un actor o actriz famoso que curiosamente aparece en la trama. De la primera temporada (solo hay dos) destaca Kate Winslet, Patrick Stewart, Samuel L. Jackson o Ben Stiller. En la segunda (y última) temporada aparecen David Bowie, Daniel Radcliffe (Harry Potter), Sir Ian McKellen y Orlando Bloom. Lo más curioso del planteamiento de la serie es que aquí los roles se intercambian, los extras son los protagonistas y las estrellas son meras comparsas, algunos con menos protagonismo que otro. Cada episodio refleja una problemática concreta. Temas como el racismo, la fe, el egocentrismo, la homofobia, el sexo telefónico, el exhibicionismo y otros más interactúan con la trama y con los artistas invitados, descubriendo una imagen (posiblemente falsa o no…) de los mitos del séptimo arte. Hay episodios que los actores son menos conocidos para el público en general, supongo en UK serán todas unas eminencias, aun y así no desquitan con lo que se entreteje a lo largo de la temporada. Lo que interesa es lo que les pasa a Andy, o a la petarda de su amiga Maggie y al incompetente agente (Stephen Merchant) que carece de nombre. En cada episodio Andy tiene la oportunidad de oro para triunfar, bien sea metiendo el careto en una escena (con el riesgo de que tal escena acabe cortada) o bien consiguiendo una línea de frase en la película. Sus constantes y sutiles meteduras de pata (bien sea con el equipo técnico o bien con la estrella invitada) pondrán en peligro alcanzar el más preciado de sus sueños, la fama.

Mi nombre es Earl.

2008-01-31T19:11:00.002+01:00

Esta serie es le leche. El personaje de Erl (Jason Lee) es brutal, genial y encima es más simple que el mecanismo de un botijo. Aunque su hermano Randy (Ethan Suplee) le gana con creces. Hay series que ganan puntos cuando su duración se limita a unos simples 30 minutos y Mi nombre es Earl es una de ellas. Cada episodio es un batiburrillo de situaciones, algunas más desternillantes que otras, pero que dan mucho juego a la trama, la purgación de los pecados haciendo buenas obras (o Karma). Lo bueno que tiene esta serie es que no tiene límite y la constante y el factor sorpresa pueden mantenerse frescas hasta que a los protagonistas o responsables de la serie se cansen. Earl y su hermano no son los únicos protagonistas de la serie. Una serie de personajes esperpénticos como ellos hacen acto de presencia en todos o la mayoría de los episodios. Así tenemos a Joy (Jamie Pressly) la pedorra ex mujer de Earl despampanante pero necia hasta la avaricia. Su actual compañero Even Darnell (Eddie Steeples) más conocido como Crab Man (Hombre Cangrejo) de muy buen corazón pero muy corto de miras. También les acompaña Catalina (Nadine Velazquez) una emigrante mexicana sin papeles que se dedica a ayudar a Earl en algunos de los momentos más difíciles de su cruzada. La serie refleja una visión de la América profunda con mucho sentido del humor, esperpéntica pero entrañable.

¿Por qué nos gustan tanto las series?

2008-01-31T19:11:00.001+01:00

1. Porque duran más que una película.

2. Porque en ellas no actúan estrellas endiosadas sino actores y actrices de pedigrí.

3. Porque consiguen hacerte sentir uno más de la familia.

4. Porque gracias la DVD o al Divx es un placer verlas casi de un tirón.

5. Porque se desarrollan mucho más los personajes.

6. Por el qué pasará en el capitulo siguiente.

7. Porque no suelen envejecer tan mal como las películas.

8. Porque están repletas de personajes entrañables como Laura Ingalls, La familia Bradford (con ocho basta) Starsky & Hutch, Tony Soprano, Mulder & Scully, Buffy, Carrie Bradshaw o Jack Bauer entre otros.

9. Porque ahora están en su mejor momento con joyas como Perdidos, Héroes, Jericho, 24, Eureka o Big Love.

10. Porque la tele es gratis y el cine no.

Si, pero...

2008-01-31T19:04:00.001+01:00

¿Seremos los únicos seres de este planeta que las aventuras del Doctor House no nos acaban de enganchar? Hay que reconocer que la serie tiene una buena facturación pero no sé, como que le falta algo. Acabamos de ver los dos primeros episodios y como que veo todo demasiado forzado. Nos está pasando lo mismo que con Nip Tuck aunque con esta estuvimos hasta media primera temporada intentándolo y se nos hacía más tedioso que leerse El Señor de los Anillos. También es cierto que antes de House veníamos de ver Roma (Tito Pullo forever!) y el listón está como muy alto. Está claro que para verse una serie uno ha de tomarse un descanso, desengancharse de la trama y los personajes y empezar a visionar otra más limpio de mente y cuerpo que un congreso de adictos al Yoga. Otro punto para que una serie te desinfle es que todo el mundo diga que es bueniiiisima, la polla en vinagre, lo mejor que se ha hecho en televisión o que el protagonista sea su héroe. Claro, uno va ya supeditado a que lo que va a ver es lo mejor de lo mejor. Las series es como la música. Yo no soporto a Ricky Martin, Britney Spears o U2 pero hay gente que con ellos se vuelven locos y hasta dan volteretas con triple o incluso cuádruple salto mortal en el aire , que le vamos a hacer. A mi me pasa lo mismo con FRIENDS, EMBRUJADAS, FRAISER o CHEERS. No les encuentro ninguna gracia y es que, hasta en algunas de ellas las arcadas son el primer síntoma de que he de cambiar de canal inmediatamente. Lo que son las cosas. De momento a House le vamos a dar otra oportunidad. Esperemos que la cosa cambie. Ya se nos han resistido varios culebrones como URGENCIAS, la citada NIP TUCK, EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA, ARRESTED DEVELOPMENT o la segunda temporada de MUJERES DESESPERADAS. Este año pasado nos lo hemos pasado en grande con joyas como HUFF, MONK, MEDIUM, LOST, 24, A DOS METROS BAJO TIERRA, LOS SOPRANO, QUEER AS FOLK o la primera temporada de SLIDERS (SALTO AL INFINITO). Veremos que sucede cuando lleguen a nuestros ojos PRISION BREAK.

Citas Marxistas

2008-01-31T19:00:00.001+01:00

Es mejor estar callado y parecer tonto, que hablar y despejar las dudas definitivamente.

Una cita a ciegas puede convertirse en un cerdo con sombrero y un bolso de mujer.

¿A quien va usted a creer?, ¿a mi, o a sus propios ojos?

Él puede parecer un idiota y actuar como un idiota. Pero no se deje engañar. Es realmente un idiota.

Nunca olvido una cara. Pero en su caso, estaré encantado de hacer una excepción.

¿Por qué debería preocuparme por la posteridad? ¿Qué ha hecho la posteridad por mi?

Una mañana me desperté y maté a un elefante en pijama. Me pregunto como pudo ponerse mi pijama.

Partiendo de la nada alcance las mas altas cimas de la miseria.

Bebo para hacer interesantes a las demás personas.

Solo hay una forma de saber si un hombre es honesto: preguntárselo. Y si responde "sí", sabes que es un corrupto.

¿Que por qué estaba yo con esa mujer? Porque me recuerda a ti. De hecho, me recuerda a ti más que tú.

¿Servicio de habitaciones? Mándenme una habitación mas grande.

El secreto del éxito es la honestidad. Si puedes evitarla, está hecho.

Fuera del perro, un libro es probablemente el mejor amigo del hombre, y dentro del perro probablemente esta demasiado oscuro para leer.

Detrás de cada gran hombre hay una gran mujer. Detrás de ella, esta su esposa.

El matrimonio es la principal causa de divorcio.

Lo malo del amor es que muchos lo confunden con la gastritis y, cuando se han curado de la indisposición, se encuentran con que se han casado.

Disculpen si les llamo caballeros, pero es que no los conozco muy bien.

Es usted la mujer más bella que he visto en mi vida... lo cual no dice mucho en mi favor.

Oh! Nunca podré olvidar el día que me casé con aquella mujer... Me tiraron píldoras vitamínicas en vez de arroz.

- ¿Por qué y cómo ha llegado usted a tener veinte hijos en su matrimonio? - Amo a mi marido. - A mí también me gusta mucho mi puro, pero de vez en cuando me lo saco de la boca.

Cásate conmigo y nunca más miraré a otro caballo.

No permitiré injusticias ni juego sucio, pero, si se pilla a alguien practicando la corrupción sin que yo reciba una comisión, lo pondremos contra la pared... ¡Y daremos la orden de disparar!

Oiga mozo, ¿y no sería más fácil que en lugar de intentar meter mi baúl en el camarote, metiera mi camarote dentro del baúl?

Supongo que había que inventar las camas de agua. Ofrecen la única posibilidad de beber algo a media noche sin pisar al gato.

Durante mis años formativos en el colchón, me entregué a profundas cavilaciones sobre el problema del insomnio. Al comprender que pronto no quedarían ovejas que contar para todos, intento el experimento de contar porciones de oveja en lugar del animal entero.

Es una tontería mirar debajo de la cama. Si tu mujer tiene una visita, lo más probable es que la esconda en el armario. Conozco a un hombre que se encontró con tanta gente en el armario que tuvo que divorciarse únicamente para conseguir donde colgar la ropa.

Dices que conociste a John en un ascensor, y mi pregun ta es: ¿subía o bajaba? Esto es muy importante porque, cuando bajamos en un ascensor, siempre tenemos una sensación de vacío en el estómago que a veces puede confundirse con amor. En cambio, si subía, se trata de un caso claro de flechazo a primera vista, y también demuestra que John es un joven en periodo de ascenso. (De una carta a su hija Miriam)

Hijo mío, la felicidad está hecha de pequeñas cosas: Un pequeño yate, una pequeña mansión, una pequeña fortuna…

Y por ultimo:
Citadme diciendo que me han citado mal.

Y sin mover el culo del sillón...

2008-01-31T18:56:00.001+01:00

Hace poco se desató en la redaccion de Edicion Limitada DVD una interesante charla acerca de cómo serían las tiendas de música y cine del futuro (no muy lejano por cierto) suponiendo que el CD o DVD desapareciesen de la faz de la tierra. Las conclusiones fueron varias. Una de ellas era la intrusión (tanto en calles, aeropuertos, estaciones o dentro de centros comerciales) de unidades semejantes a los cajeros automáticos de los videoclubs en donde, reproductor de MP3 o teléfono móvil en mano, podríamos descargar música (se entiende de forma legal) que quisiéramos. La compra podría ser de temas sueltos (creándonos un recopilatorio) o bien adquiriendo el álbum por completo. También hablamos de la posibilidad de hacerlo desde casa mediante Internet, ya sea directamente desde la web del artista o desde un establecimiento virtual concreto. Todo esto muy bien y para nada novedoso, pero ¿qué sucedería con el cine?
Curiosamente la respuesta no tardó en llegar y no precisamente en de ninguno de nosotros. Resulta que Microsoft (tras un acuerdo con diferentes Majors) ha decidido ofrecer, mediante su servicio Xbox Live y, por supuesto, poseyendo una Xbox 360, la posibilidad de descargar series y películas en alquiler o compra a precios muy módicos que van desde los 4 a 6 euros. De esta forma ya se pueden ver películas como Superman Returns, Nacho Libre o series como Lost, Star Trek, South Park o CSI sin bajar al videoclub de la esquina y sin necesidad de “despoltronarse” del sofá. Sobre la modalidad de alquiler se permite al usuario conservar el contenido descargado hasta dos semanas siendo borrado a las 24 horas de su visionado. Por cierto el servicio, sólo vigente y de momento en EEUU ofrece la posibilidad de descargar el contenido en alta definición. Bill Gates no ha sido el único visionario, George Lucas comentó hace poco que el futuro del cine sería Internet y, añadió, que la televisión iba a jugar un papel importante en la industria del entretenimiento gracias a la sobresaliente calidad de las series que se producen actualmente. ¿Significaría eso la desaparición de las salas de cine tal y como las conocemos? Pues en cierta manera si y también no. Por un momento imaginaos la posibilidad de poder ver los estrenos directamente en casa, y no me refiero a hacer uso de la basurilla de los “screeners” ni a la engañosa calidad del DVIX, sino verlos en alta definición en 5.1 o 7.1, pantalla panorámica y tan sólo a los pocos minutos de haberlo solicitado mediante pago. Quien sabe, esto puede ser una realidad muy pronto, en mucho menos de un lustro. ¿Qué entonces el cine pierde toda su magia? Depende ¿Qué no hay nada mejor que una sala grande con palomitas, butacas cómodas y pataditas en la nuca del compañero de butaca de atrás? Pues que queréis que os diga. También podéis imaginar un cine con una tienda donde podréis compraos la película que acabáis de ver, u otras novedades. O acudir a un festival como Cannes, Sitges o Berlín desde casa, On Line y poder votar aquella película que más os guste a través del servicio SMS o de forma interactiva, mediante el mando a distancia. ¿Qué se me va la olla? Tiempo al tiempo.

Películas que han marcado mi vida.

2008-01-31T18:54:00.001+01:00

Sucede, como con la música, que el cine forma una parte importante de mi vida y supongo que también de la vuestra. Personalmente no puedo concebir un mundo sin celuloide. Sería triste y aburrido, aunque siempre tendríamos los libros para dejarnos escapar unos instantes de la realidad. Yo he heredado mi pasión por el séptimo arte gracias a mis padres. Ya he comentado en más de una ocasión su amor por el cine.

Frankestein (James Wale 1931)
Fue la primera película. Tenía dos años cuando mi madre me llevó al cine a verla, acompañado por una vecina (por cierto experta en preparar sabrosas merendolas cinéfilas a base de bocadillos y otros manjares) Mi madre me dijo que me pase gran parte de la trama durmiendo, pero sobre todo roncando. Me dijo una vez que vio como me despertaba, justo en el momento en el que aparecía Boris Karlof haciendo de criatura. Me dijo que había puesto los ojos como platos como fascinado y asustado a la vez. Es curioso pero yo recuerdo algo de ello. Me acuerdo de ver algo en blanco y negro, un señor mayor ciego al que visitaba una especie de ser descomunal con la cabeza cuadrada y dos tornillos en el cuello.

Tiburon (Steven Spielberg 1975)
Otra e mis grandes favoritas. Recuerdo que diseñé, en mi casa, un decorado para la entrada del cine con motivos basados de la película. Había algas colgando del techo y acomodadores vestidos de hombre rana. En casa teníamos la novela de Peter Benchley y leía fragmentos buscando aquellos que más me gustaban que por supuesto eran los ataques del tiburón. He de decir que salí muy impresionado del cine con imágenes como el ataque a la laguna con esa pierna amputada descendiendo a las profundidades o la cabeza del pescador asomándose por el hueco del bocado que había pegado el escualo a la barca. Tenía tanto miedo que no me atrevía ni a beber en un baso de agua (a no ser con pajita) no fuera que me apareciese su el tiburón y con su mandíbula y me zampase de un sopetón.

El pozo y el péndulo (Roger Corman 1961)
Sólo una escena. Ese péndulo bajando lentamente y cortando la camisa de Francis (John Kerr). Simplemente angustiosa.

Aullidos (Joe Dante 1981) y Un Hombre Lobo Americano en Londres (John Landis 1981)
Son las dos primeras películas que alquilé en video. Me metí tal maratón de cine de terror que me produjo mi primer ataque de ansiedad. Hay escenas en cada una de ellas que me marcaron. En aullidos el polvo a la intemperie que se mete el Bill (Christopher Stone) marido en la película y en la realidad de Dee Wallace Stone con Marsha Quist (Elisabeth Brooks) con transformación incluida, es lo más morboso que he visto en mucho tiempo. En la segunda me impactaron las escenas de las pesadillas de David (David Naughton) la horribles apariciones de Jack Goodman (Griffin Dunne) a su amigo y, porque no, la escena de la transformación.

El Coloso en llamas (John Guillermin (1974)
Otra película clave en mi vida. Fue la que hizo que descubriese el cine de catástrofes. Me encantaba todo de ella. Las situaciones, sobre todo aquella cestita colgando en el vacío...

Encuentros en la Tercera Fase (Steven Spielberg 1977)
Una maravilla. Disfruté con ella mil veces. Me gustó tanto como me había gustado la Guerra de las Galaxias. Spielberg era el rey. Me acuerdo que en el disco de la banda sonora había una versión en single del tema principal en versión discoteca. Con unos amigos inventamos un baile al respecto con el que torturábamos a familiares y amigos en cuanto se nos antojaba. Aun tengo el cómic de la película por casa. La escena de Barry (Gary Guffey) abriendo la puerta y esa luz anaranjada iluminándolo todo era bestial.

Alien El 8 Pasajero (Ridley Scott 1979)
Uff, que puedo decir de esta obra maestra. Recuerdo que cuando leía algo de ella, antes de que se estrenase, pensaba que era una peli más de ciencia ficción que aprovechaba el tirón de éxito de Star Wars. Cuando mi hermana me dijo que una amiga suya la había visto y que aun tipo le salía un bicho del estómago no me lo creí. Aquello era imposible. No se podía hacer. Cuando en el cine vi la escena me quedé aterrorizado e intrigado, era cierto, un gusano enorme había salido de la barriga ¿cómo coño lo habían hecho? Recuerdo quererme ir del cine en las ultima escena cuando Ripley (Sigurney Weaver) corría como una loca por los pasillos a punto de exoplotar de la Nostromo. Me angustié mucho. Luego en casa me comí la olla un montón reguntándome por qué aquella pobre gente tenía que sufrir aquel infierno y me entró tal terror que tuve que ir a dormí con mi hermana.

Rollerball (Norman Jewison 1975)
Fascinante. La primera vez no pude verla entera ya que estaba con unos amigos en un cine de pueblo y vinieron nuestros padres a buscarnos. Me gustaba la estética semejante a 2001 de Kubrick La escena de la fiesta y los invitados quemando un árbol o el partido inicial contra el Madrid son lo que mas recuerdo de ella.

Psicosis (Alfred Hitchcock 1960)
La primera vez no la vi, la escuché. La estaban viendo en la tele de su habitación mis padres y mi hermana. No querían que me asustase al verla. Insisto: fue peor escucharla.El Increible Hombre Menguante (Jack Arnold 1957)
Una maravilla del fantástico. La escena del gato atacando la casita de muñecas, la lucha con la araña o la mosquitera que, de repente, era accesible para Scott Carey (Grant Williams) hacia el mundo exterior no se me olvidarán jamás.

Mujercitas (George Cukor 1933)
Otra película de la infancia. Ahora parece cursi y ñoña pero disfrutaba con las aventuras de Jo (Katharine Hepburn) Amy (Joan Bennett) Beth (Jean Parker) y March (Frences Dee). Recuerdo las escenas de la fiesta en casa del vecino con el vestido de Jo con un parche en el culo de haberlo quemado al acercarse a la chimenea. La muerte del bebe de la vecina debido a la escarlatina me produjo desde entonces mucho yuyu o cuando Jo cansada se enfrenta a la frepelente tía March (Edna Mary Oliver).

Las Vacaciones del Sr Hulot (Jaques Tatti 1953)
Otra que fui con toda la familia. Excepto mi padre nadie sabía nada de ella. Nos reímos como nunca. Fue una tarde de lo más divertida, inolvidable.

Qué verde era mi valle... (John Ford 1941)
Era una de mis películas de mi infancia. Lo que más me gustaba era la cama que tenia Huw Morgan (Roddy McDowall) empotrada en el alfeizar de una ventana. La vi en televisión varias veces y me quedaba siempre embelesado con ella. Hace poco la vi junto con Eva en nuestras vacaciones alpinas y seguía tendiendo chispa.

La Invasión de los Ladrones de Cuerpos (Don Seigel 1956)
Una de mis joyas. Una de las pocas películas que me llevaría a una isla desierta (con electricidad, TV y DVD incluída, por supuesto). Yo sufría terrores nocturnos y dormir para mi era un suplicio. Imaginad lo identificado que estaba yo con esta obra maestra. No tiene desperdicio alguno. Es perfecta de principio a fin.

El Hombre con Rayos X en los ojos (Roger Corman 1963)
Me fascinaba eso de que un hombre tubiese la habilidad para poder ver a través de los muros y personas. Las consecuencias fianles no me agradaron mucho. Los ojos completamente negros del Doctor James Xavier (Ray Milland) y los feligreses gritándole "!Arrancatelos, arrancatelos¡" me produjeron un trauma con pesadillas incluidas.

Star Wars Episodio 4 (George Lucas 1977) y El Imperio Contraataca (Irwin Kersner 1980)
La Number One. La mejor de toda. Marcó un antes y un después en mi forma ver el cine. Para mí sería y será siempre el año O de mi vida cinefilia. Si Spielberg era el rey George Lucas era el mago del reino. Conocía la existencia de la película porque mi padre se había comprado la novela escrita por Lucas en inglés y porque también me la había comprado en castellano (por cierto fue el primer libro que me leí en mi vida). En casa ya sonaba la banda sonora hacia meses antes de sus estreno. Lucas supo hacerme creer que mundos como Tatooine, Hoth, Dagobah, Bespin o La Estrella de la Muerte podían ser tan reales como el nuestro. Yo quería ser Luke Skywalker (Mark Hamill) y tener dos robots como R2D2 y C3PO. Queía vivir miles de aventuras en ese universo. Por auqellos tiempos traté montar una obra de teatro basada en Star Wars con un amigo (y eso que aun no habíamos visto la película) Construimos un robot (en realidad unos botes de detergente que embuchamos al hermano pequeño de mi amigo y que se quejaba cada vez que le haciamos pruebas. Me compraba (y aun conservo) los cómics Bruguera oficiales de la película. Me servían para continuar soñando con ese universo. También tuve el álbum de cromos (que lo terminé) y el libro del Making Off. Mi hermana me regaló para navidades mi segunda espada láser (la primera fue la entena de una radio que, al agitarla violentamente, se extendía hasta parecerse a algo semejante a un sable como los de la película. De tanto darle manotazos se rompió y me lleve una soberana hostia por parte de mi padre después de ello) También me compré los muñecos de la película que guardaba como paño en oro.

Bienvenido Mr Scrooge ( Ronald Neame 1970)
La pude ver de reestreno y automáticamente se convirtió en una de mis películas favoritas. Me gustaba mucho la ambientación oscura y lúgubre de todos los decorados las canciones, la que canta Tiny Tim (Richard Beaumont) llamada "The Beautiful Day" que rompe el corazón a todo el mundo menos Scrogge (Albert Finney), o ese fantasma de Jacob Marley (Alec Guinness) etéreo, vestido con su sudario con las cadenas flotando por el aire y esa mano despidiéndose a cámara lenta mientras se cierra la puerta de la habitación. Pero para impactante el espíritu de las navidades futuras, alto, vestido con la tunica negra en alegoría a la muerte o la escena de Scrooge en el infierno mientras le rodean de unas cadenas inmensas mientras grita aterrado.

Siete Novias para Siete Hermanos (Stanley Donen 1954)
Mi madre nos llevó a mi hermana y a mí a verla. Fuimos a regañadientes. No nos apetecía nada. Estabamos seguros que nos aburriríamos. El resultado fuel el opuesti. Salimos encantados y con ganas de volver a verla. Ese mismo día mi madre nos compró el disco de la banda sonora que escuchamos 654765765 veces hasta casi rayarlo.

El Séptimo Sello (Igmar Bergman 1957)
Otra de mis grandes obras fetiche. La primera vez que la vi era muy pequeño y me impresionó mucho el personaje de la Muerte (Bengt Ekerot) todo él de negro, luciendo ese rostro pétreo y pálido pero aun y así elegante. La escena que más es me quedó grabada es la de la danza de la muerte con esas siluetas en lo alto del risco agarradas de la mano.

El Mago de Oz (Victor Flemming 1939)
La vi en Madrid. Flipé mucho con ella. Esos decorados tan cartón piedra, ese color tan intenso. El hombre de hojalata me daba mucha grima (aunme lo da), en cambio el Espantapájaros y el León cobarde me entusiasmaron. Nunca olvidaré ni la escena del campo de flores sedantes, los monos voladores, la farsa del Mago en la Ciudad de Espemeralda o el derretimiento de la bruja malvada del Este. Pero lo que más me gustó fue la marquesina del cine donde la proyectaban en la Gran Vía con los retratos en grande de todos los protagonistas.

El Mundo está Loco, Loco, Loco, Loco... (Stanley Kramer 1963)
Una de mis preferidas. Recuerdo un domingo ir a verla en tropel junto a mis padres, mis tios y unos amigos. Me encantó la escena de la doble V en el parque y la secuencia de la escalera mecánica o el avión descontrolados.

Oliver! (Carol Reed 1969)
Toda una institución en mi casa. Era LA PELICULA. La Number One hasta que llegó Star Wars. Recuerdo que cuando la vi me llamó mucho la atención la ambientación, tan oscura y triste, con todos esos niños tan bailones y cantarines pero pobres. Sentía pena por el pobre Mark Lester que interpretaba a Oliver con esa eterna cara de no haber roto un plato en su corta vida.

West Side Story (Jerome Robbbisn/Robert Wise 1961)
La vi en Inglaterra, en casa de mi abuela a través del televisor. No entendía nada solo cuando alguna vez hablaban en castellano. Mi padre era un fan de la banda sonora. Era uno de los discos mas pinchados los fines de semana.

Poltergeist (Tobe Hooper 1982)
Que miedo pasé. Sobre todo los últimos diez minutos con esa casa descontrolada y totalmente dominada por las fuerzas del mal. Esa noche no pude dormir solo, estaba más que aterrado. Como siempre me fui a dormir con mi hermana.

Fiebre del Sábado Noche (John Badham 1977)
Cuando fui a verla junto con mi madre, mi hermana y unos vecinos pensaba que el acomodador no me dejarían entrar a verla, pero no fue así. Aquí fue cuando descubrí que en el cine también se follaba aunque sólo fuera en la parte trasera de un coche y se decían palabrotas. Me encantaba como bailaba John Travolta. Pienso que esta película creó escuela, sobre todo en preadolescentes como yo que descubrimos con agrado la música disco. Mi hermana en concreto a los Bee Gees.

Bailando con Lobos (Kevin Costner 1990)
Es importante para mi pero no por la película, que considero un tostón; sino por que fue la primara vez que fui solo al cine. Me costó decidirme pero lo logré. A partir de entonces se convirtió en una práctica muy habitual.

Blade Runner (Ridley Scott 1981)
Maravillado me quede yo con semejante obra maestra. Me trasportó al futuro desde el primer momento. Aquello era pura magia y lo demás eran leches. He decidido que quiero que me incineren con ella.

El Baile de los Vampiros (Roman Polansky 1967)
Otro descubrimiento gracias al sabio consejo de mi padre. Ya había oído hablar de ella en casa y la verdad es que le tenía ganas. Fuimos a un reestreno y no me arrepentí nunca. El profesor Ambrosius se convirtió en mi héroe.

Barrabas (Richard Fleischer 1962) y El Desafío de las Águilas (Brian G. Hutton 1968)
No esperaba nada de ellas cuando fui a verlas sobre todo la segunda porque el cine bélico no me atraía nada. Finalmente agradecí al cielo haberlas descubierto. Disfrute como nunca con ambas. Me engancharon y aun en día son dos de mis películas favoritas.

La Profecía (Richard Dooner 1976)
Mis padres la habían visto y nos hablaban mucho de ella. Eso de que un niño era el hijo del demonio me llamaba mucho la atención y me aterraba. Cuando la vi, me encantó y me aterrorizo a partes iguales. En casa rondaba la banda sonora que un día partí en cientos de pedazos y lancé al cubo de la basura. Me daba malos rollos.

Chinatown (Roman Polansky 1974)
Uno de los peores momentos en una sala de cine. Fui a verla de reestreno con mis padres. Yo no tenía ni nueve años. Me aburrí como una ostra. No había forma de que la puñetera película se acabase. Se me hizo eterna, en serio y cuando al final se cargan a Fay Danaway sentí hasta alegría, no por ella, sino por que faltaba casi nada para los títulos de crédito. Tengo ganas de darle una segunda oportunidad.

La Noche de los Muertos Vivientes. (George A. Romero 1969)
La vi sin verla. Me la explicó mi madre un verano como si se tratase de un cuento. Pase más miedo cuando me la contó que cuando conseguí verla en video. Una película que mitifiqué anticipadamente y no me arrepiento de ello en absoluto.

Grease (Randal Kleiser 1978)
Otra joya de la corona. Recuerdo las interminables colas para ir a verla y en sesión matinal. Nos se que tiene pero engancha. Mi hermana y yo nos compramos la fotonovela de la película y el disco doble para así revisarla una y otra vez. Nos aprendimos los bailes, queríamos vestirnos como los macarras de Travolta y Olivia Newton John al final de la película.

La Mascara (Chuck Rusell 1994) y Forest Gump (Robert Zemeckis 1994)
Estas dos van juntas por una sencilla razón. Pertenecen a la época en la que falleció mi madre. Ella me compró la entrada para The Mask precisamente para el preestreno en el festival de Sitges 1994 (curiosamente también la primera vez que acudía a dicho evento). Con Forest Gump sucedió que, una semana después de fallecer mi madre fui a verla de estreno. Estaba muy deprimido y confuso. No sé porqué pero el mensaje de Gump me ayudó un poco a superar el dolor.

El cine... antes de la llegada del video.

2008-01-31T18:50:00.001+01:00

Muchos de vosotros aun os acordareis de como era el cine antes de que apareciese el video. A los que no, igual este Blog les parecerá un cuento chino. Cuando el video era una utopía existían las salas de cine más conocidas como estreno y de reestreno. En las segundas las películas se estrenaban un lunes y duraban una semana justa. A diferencia de las primeras que duraban semanas e incluso meses. Por el precio de una entrada de reestreno era de 10 pesetas y podías ver dos películas. En los cines de estreno por 25 pesetas (incluso menos) podías ver la misma película una y otra vez e incluso entrar cuando ya estaba empezada y esperar a la siguiente sesión, sentado en la misma butaca a que volviese a comenzar la sesión y ver lo que te habías perdido (y se preciaba disfrutar del resto). Ambos cines eran uno, nadie sabía lo que eran las multisalas. En ambos también vendían palomitas rancias, chocolatinas y refrescos en botella de cristal, que acababan rodando (aun recuerdo el sonido que hacían) por los pasillos o por debajo de las butacas para acabar amontonadas unas sobre otras en las primera filas. Sí, el cine era uno y el sonido también. No había “estéreo”, ni “Dolby Digital” ni “5.1”. Sólo unos bafles detrás de la pantalla que a veces sufrían interferencias dejando una frase a medias o haciéndote respingar si estabas concentrado con la trama. En los cines de antes había telón que se abría al comenzar la sesión, primero una gran tela de terciopelo rojo escarlata y luego un visillo, a veces transparente que solía ajustarse a los formatos de pantalla que existían entonces. El público solía aplaudir al comienzo y al final de la película. En esa época no existía “Movierecord”, “Distel” ni sucedáneos, sólo unas tarjetitas borrosas y cutres que aparecían en la pantalla a modo de diapositivas con una música y, a veces, acompañadas de una voz ratonera. Eran los años del NODO ("¿Otra vez el jodido NODO?" grité una vez en medio de una sala repleta con tan solo 8 años de edad). Los sábados y los domingos había sesión matinal. Solían pasarse películas para niños o dos grandes títulos de reestreno. También existían cines de "Arte y Ensayo" donde “Bergman”, “Tati”, “Visconti” o “Passolini” eran los amos.
Volviendo a los reestrenos. Cuando no había video existían las sesiones dobles. A veces eran dos títulos que ya habían sido estrenado hacía meses o bien películas que ya eran clásicas como las de “Tarzan”, los “Cañones de Navarone”, La Senda de los Elefantes” o “Cuando ruge la Marabunta”. Se les había vuelto a dar una nueva oportunidad de vida y a nosotros de poder disfrutarlas.
En esa época, recordábamos películas. Si querías revivir tus mejores escenas debías de coleccionar cromos, verlas cuando las emitían en la tele (o sea casi nunca) o revivirlas ojeando cómics o fotonovelas. Por regla general los cines de reestreno eran exclusivos del barrio. Los sábados podías ver filas de vecinos, amigos y conocidos que se impacientaban por ver a “Bud Spencer y Terence Hill”, “Bruce Lee”, “Los Hermanos Marx” o incluso “Charlot”. Las mujeres se limitaban a criticar el modelito de “Fulanita” comprado en el “Sepu” o el de “Zutanita” que además se había pintado como una puerta y perfumado como una mofeta: - Miralá, se decian. - Igual se pensaba que iba a la “Ópera” o al “Festival de Cannes”.
En algunos cines había servicio de bar, siempre a lado de la pantalla, entre sesión y sesión se vendían, patatas chips y bocadillos. Muchas veces uno se llevaba la merienda desde casa, una fiambrera con callos, tortilla o ternera estofada. Las botas de vino también eran muy populares en ese tipo de salas y solían pasárselas unos a otros a lo largo de la fila.
A mí lo que más me gustaban eran los carteles y las fotos que adelantaban momentos cruciales de la película. "Barcelona" tenía buenos carteles pero “Madrid” se llevaba la palma. Fue allí, una semana de 1974 en el que fui a visitar a unos primos, cuando vi, por primera vez “El Mago de Oz”. Lo que más recuerdo con nostalgia era bajar del taxi y ver el cartel con una cabeza de “Judy Garland” y del resto de personajes pintados sobre la marquesina. También recuerdo el cartel de “La Aventura del Poseidón” y las fotos pegadas con celo a los cristales. De "Barcelona" recuerdo los de “Grease”, “Mary Poppins” “Oliver”, “Tiburón”, “Supermán” o “Aeropuerto 1977”, espectaculares y mágicos para la mente de un niño.
Las salas de ahora son demasiado asépticas. En “Barcelona” han perdido todo su glamour. Ya no hay marquesinas con carteles ni siquiera fotos. Son fábricas de chuches enmoquetadas, con muchos pasillos y cientos de salas. Las colas son amorfas, confusas, llenas de niños aborregados jugando con las melodías de los móviles, aparatos que ni siquiera apagan cuando entran a ver la película. Las salas son como laboratorios donde ponen a prueba nuestra paciencia y sobre todo nuestros tímpanos. Ya no te dejan quedarte a ver la película otra vez. Ni se te ocurra intentarlo porque te echan de muy malas maneras. Las butacas son cómodas y hay espacio para descansar las piernas, sí, pero aun y así siempre hay un imbécil que te da pataditas hasta la exasperación. Menos mal que ya no hay punteros láser jodiendo la marrana, ahora se ponen a hacer el pino delante de la pantalla, a jugar a comandos por entre las filas o a entrar y salir por la puerta de emergencia las veces que les salga del higo.

Las salas de reestreno se han extinguido, al igual que los cines de barrio. Si quieres ver una película ya estrenada te vas al videoclub (transformado en una especie de cajero electrónico) la alquilas o te la compras y te la ves en casa cuando te dé la gana y las veces que quieras. Los niños y jóvenes de ahora ya no recuerdan películas como los de mi época. Ahora las ven hasta que a los DVD se les borran los píxeles.

GORRONES S.A.

2008-01-31T18:43:00.000+01:00

¿Qué sucede cuando llegamos a los meses de las rebajas? Pues que aprovechamos lo que nos queda de la paga extra (aunque a algunos os parezca una ironía) para comprarnos DVDs. Pero mira por donde que no somos los únicos que esperamos con ansia llegar a casa y disfrutar con nuestro cine favorito. Ocultos entre las sombras se encuentran unos seres despiadados, sin escrúpulos y despreciables que pueden llegar, en algunos casos, a producirnos espantosas pesadillas. Son definidos como "Los Gorrones" y los hay de muchas clases…

1.Los gorrones descarados: Son aquellos que entran en casa, casi ni te saludan, van directos a la estantería y arrasan con todo lo que ven con la típica (y apocalíptica) frase: "Ya te las devolveré." Las gracias te las suele dar su abuela, por que ellos desconocen la palabra y lo que representa. Claro está, las películas casi nunca las vuelves a ver. Dentro de este grupo se encuentran los que acaban de comprarse un DVD. Uno animado por la iniciativa se te ocurre preguntar: "¿Ya te has comprado (o alquilado) alguna "peli?". Con lo que te contestas "¿Comprar? ¿Alquilar? No que va, para eso ya te tengo a ti." De golpe y porrazo te acabas de convertir en el "DVD Club" más rentable (para tus amigos claro está) de toda la ciudad.
Como defenderse de ellos: Un NO rotundo es a veces más que suficiente. Cuando más borde sea el tono mejor. Si no funciona lo mejor es pasar la opción económica. Tu te llevas tantas "pelis" yo te cobro un Euro por ellas, por cada día que te pases me embolsare un Euro más. Si vienen estropeadas me las pagas, que no me las devuelves, te olvidas de mí y "A cagar a la vía que hace falta grava." Como último recurso hay una opción mucho más radical, cobrárselo en especias: Yo te presto una "peli" tú me prestas a tu novia/o (siempre y cuando estén potentes).

2. Los gorrones eruditos: Son aquellos que van de "enterados", vamos los cinéfilos de fascículo coleccionable. Entran en casa, se ponen a mirar la estantería como si se tratasen de Guillermo de Canterville en la escena de la biblioteca de "El Nombre de la Rosa". Después de un largo silencio te sueltan lindezas del estilo: ¿My Fair Lady esa que "peli" es? ¿El Nadador? ¡Pero si eso es una mierda! El remate llega con: ¡Menuda colección, no tienes Los 3 "Superninjas" en el Parque de Atracciones!…
Como defenderse de ellos: La próxima vez que vengan a casa le dices que has cambiado toda tu colección de películas por libros de filosofía existencialista. En serio, funciona a la perfección.

3. Los gorrones generosos: Son los que, además de vaciarte la estantería, son tan solidarios que se dedican a prestar (incluso regalar) tus películas a otros gorrones que, para colmo, las prestan o regalan a otros gorrones y así hasta el infinito y más allá. Algunos títulos vuelven, pero la mayoría no lo hacen nunca. Si te cabreas encima eres un gilipollas y un materialista de mierda que antepones la amistad a un simple objeto.

Como defenderse de ellos: Una buena ración de laxante. Funciona de puta madre.

4.Los gorrones "manazas": Estos abundan como los champiñones. Son los que les prestas una película (ya sea voluntaria o involuntariamente) y te las devuelven hechas un asco. Que si manchas de mocos o chorizo, que si partidas por que no han sabido sacarlas de la caja, con la carátula arrugada, sin carátula, con la "peli" equivocada en el estuche, con la "peli" de otro incauto como tú en tu estuche, sin película… Luego cuando les pides explicaciones te contestan absurdeces como: "Es que se me lo ha comido el perro… " Ah, luego tienen la desfachatez de ir a la estantería a pillarte más.

Como defenderse de ellos: Mucha calma, cualquier día ellos también os dejaran una película. Recordad: La venganza es un plato que ha de servirse bien frío.

5. Los gorrones "intocables": Pertenecen al género "familia". Son los peores. Son aves de rapiña sin escrúpulos ni entrañas. Si son mayores que tu, supongamos abuelos, tíos, o suegros no tienes casi nada que hacer en el supuesto que vivas con tus padres o con la churri. Has de cerrar el pico y dejar que saqueen la estantería como si se tratara de una manada de Orcos recién surgidos de las cuevas de Moria.

Como defenderse de ellos: Es difícil pero no imposible. El chantaje emocional es muy efectivo. Llorar conmueve a las abuelitas más de los que os imagináis. Involucrar a terceros "Me la ha dejado un amigo" también funciona. Un "No la he visto aun… No te gustará… Está solo en Inglés…" son tres buenas opciones. Si no te las devuelven o lo hacen pero deterioradas y encima tu madre o churri se quejan les recuerdas lo que ha costado la película y que se lo sisaste de su monedero. Es infalible.

El cine de mi infancia: De catástrofes a monstruos insaciables.

2008-01-31T18:38:00.000+01:00

Siempre me gustó el cine de catástrofes. Para mí era el mejor, el más trepidante, el que te hacía quedarte agarrado al asiento durante unas dos horas viendo como un puñado de personas hacían todo lo posible por sobrevivir. La década de los 70 fue la edad de oro para éste tipo de cine. Duró siete años con verdaderas joyas como "La Aventura del Poseidón", El Coloso en Llamas", "Terremoto", "Aeropuerto 1974 y 1975", "Hindenburg" e incluso "Tiburón".
No sólo me gustaban las películas, también disfrutaba con los carteles promociónales que las anunciaban. Eran autenticas maravillas. Cuando los contemplabas algunos te resumían en su conjunto gran parte del argumento. La imaginación hacía el resto. Siempre que mi padre traía el periódico a casa yo lo abría y me iba directo a la sección de cine y espectáculos. Cuando aparecía uno de ellos yo me quedaba largos minutos contemplándolo. Siempre había un común denominador en todos ellos. En la parte inferior aparecía una tira de fotos con todos los personajes principales. A veces, debajo de las fotos, aparecía una leyenda, un mote, que solía definir a cada uno de ellos. En "El Coloso en Llamas" aparecía "El arquitecto" (refiriéndose al personaje de Paul Newman), "El Jefe de Bomberos" (Steve McQueen)o "El Constructor" (William Holden)... Con esos datos te hacías más o menos una idea de a quien te podrías a encontrar dentro de la trama. En mi caso jugaba con cierta ventaja. Mi padre era muy cinéfilo y también muy bibliófilo así que solía adquirir, en su idioma natal (off course), las versiones novelizadas de las películas, o bien las novelas originales en las que se habían basado. De esta forma yo conocía parte del argumento ya que él solía explicármelo como si se tratase de un cuento.
Mi primera película de catástrofes fue, como no, "El Coloso en Llamas" (John Guillermin, 1974). Recuerdo el día del estreno, las colas de espera junto al cine Bosque o cuando dias más tarde me regalaron la Banda Sonora de "John Williams" con la canción "We May Never Love Like This Again" cantada por "Maureen McGovern" (gracias a ello a la pobre, con el tiempo, le cayó el San Benito de cantante catástrofe al cantar también "The Morning After" para "La Aventura del Poseidón") . Eran tiempos que no existía ni el DVD ni el video, y la televisión era solo una cadena. Cuando escuchaba la música me imaginaba todo lo que había visto. Lo recordaba a medias pero yo solía añadir los restos que faltaban. Me imaginaba dentro de la trama, luchando contra el fuego, siendo rescatado por los bomberos en helicóptero, o montado en la silla colgante, o atado en una de las columnas a la espera de chaparrón de agua después de que "Newman" y "McQueen" hicieran estallar los depósitos. A veces incluía amigos y familiares en la trama. Como ya he comentado en otro momento, solía recrear los mejores momentos en el patio del colegio con algunos compañeros.
Antes de "El Coloso en Llamas" ya conocía la existencia de "La aventura del Poseidón" (Irwin Allen 1972), curiosamente no la ví en su estreno. Aun era demasiado pequeño como para asimilarla. Pero aquello no era impedimento como para no conocerla de cabo a rabo ya que mis padres ya se habían encargado de cantármela y mi imaginación se había encargado del resto. Más tarde cuando la pude ver en un cine de reestreno, me dejó alucinado, pese a no ser como yo la había imaginado. No tardó en convertirse en una de mis películas favoritas.
En 1975 llegaron Tiburón (Steven Spielberg 1974) que me produjo malos rollos con el agua (a la que ya tenía pavor) haciendo que incluso me impidiese el simple hecho de beber de un vaso, no fuese que me apareciera el temido escualo para comerme de un bocao, "Terremoto" (Mark Robson 1974) con el sistema "Sensurround" que hacía temblar la sala como si estuvieses dentro de la película. Por cierto de "Terremoto" me flipaba su cartel, casi el que más. Era impresionante. Tambien tenía ristra de fotos, cada una con su leyenda. También recuerdo los primeros "trailers" de la película emitidos en TV. Otros títulos de ese mismo año fueron "Aeropuerto 1975" (Jack Smight 1974) protagonizada por "Karen Black", "Charlton Heston" y "George Kennedy" (estos dos últimos venían de ya de la mencionada "Terremoto") y contaba como una azafata estrabica se ponía al mando de un Jumbo tras colisionar en pleno vuelo con una avioneta (la escena del piloto del Jumbo sin ojo y la cara hecha un higo me produjo verdaderas pesadillas); "Hindemburg" (Ribert Wise 1975) que estaba basada en el trágico final del dirigible fletado por el Tercer Reich en 1937 con "George C. Scott" (impresionante el momento que explota junto con la bomba) "Anne Bancroft" y "Burgess Meredith" y la cutre "El Hundimiento del Japón" (Shirô Moritani y Andrew Meyer 1973) pero con un cartel tan impactante como cualquiera de los americanos. En 1976 la cosa flojeó pero recuerdo bien "Pánico en el Estadio" (Larry Peerce 1976) con ¿adivináis quién? ¡Nada más y nada menos que el omnipresente "Charlton Heston"! A éste le acompañaba "John Cassavettes", "Martin Balsam" y "Beau Bridges" (el pobre como el primer muerto de la función) y "Tentáculos" (Ovidio G. Assonitis 1976) (está por desgracia, la vi por primera vez hace muy poco) una horripilosa mala copia de "Tiburón" con "John Huston" y "Sherley Winters", ambos en horas muy bajas al igual que el pulpo gomoso protagonista sacado de los últimos saldos de los ya desaparecidos almacenes “El Águila”. En 1977 recuerdo dos pequeñas joyas del catastrofismo. La primera era "Montaña Rusa" (James Goldstone 1977) que, al igual que "Terremoto", se estreno con el sistema "Sensurround" y estaba protagonizada por "George Segal", "Richard Widmark" y "Timothy Bottoms" haciendo de pirao que dedicaba todo su tiempo a sabotear las mejores montañas rusas de los EEUU a base de hacer descarrilar vagonetas con pobres incuatos sentados dentro de ellas. La segunda joya fue "Aeropuerto 1977" (Jerry Jameson 1977) tercer titulo de la saga donde repetía papel "George Kennedy" al cual acompañaba "Jack Lemmon", "Christopher Lee" y la plasta y amorfa de "Brenda Baccaro"; por cierto la trama iba sobre un lujoso avión cargado de valiosas obras de arte que, por un casual, sufría un sabotaje en manos de unos malvados terroristas cayendo al océano donde se sumergía con toda su tripulación y pasajeros aun vivos en su interior. Sin salir del agua ese mismo año se estrenó otra secuela, se trataba de Tiburón 2 (Jeannot Szwarc 1977) con "Roy Sheider", "Lorraine Gary" y "Murray Hamilton" repitiendo papeles, ésta nueva entrega fue menospreciada en su tiempo pero a mi me dejó muy buenos recuerdos como por ejemplo cuando el nuevo escualo atacaba a una mujer que practicaba esquí acuatico, o cuando el boquerón se emperra por dar por saco a las embarcaciones de la cuadrilla de niñatos repelentes, también cuando le da por comerse a un helicóptero de rescate (hélices incluidas) o cuando se papea a uno los dos "teens" rezagados y en pleno estado soba que te soba. Pero lo mejor, para mi, es el final, cuando el bicho acababa achicharrado tras morder el cable eléctrico que suministraba electricidad a la isla de Amity (siempre me cuestioné que clase de cabreo pillaron los habitantes de la misma después de suceder todo eso) y ver como le salia un humo negro de uno de los ojos. Por útimo tenemos dos titulos "Piraña" (Joe Dante 1978) con "Bradford Dillman", "Heather Menzies" y "Kevin McCarthy", y que me encantó por lo divertida y gamberra que era (y por que los rios ya no eran un lugar seguro donde nadar) y "Orca la Ballena Asesina" (Michael Anderson 1977) otra seudo copia de "Tiburón" con "Richard Harris" (a modo de histriónico Capitán Ahab del siglo XX), "Charlotte Rampling" y "Bo Derek" antes de convertirse en mujer 10. Lo mejor: el ataque de la orca a casa de "Harris" con las piernas de la pobre "Bo" como psicolabis o el aborto de la orca hembra sobre la cubierta del barco, un asquito que en su tiempo me produjo nauseas incontrolables. En 1980 se estrenó "La Isla del Fin del Mundo" (James Goldstone 1980) el canto del cisne definitivo del género con "Paul Newman (ya entrado en años),"Jacqueline Bisset", "William Holden" y "Red Buttons" (ambos como Newman, Kennedy y Heston) ya habituales reclamos en este tipo de cine (entre otras cosas por que ya no se comían un rosco en otro tipo de producciones). Ésta última ya la vi directamente en formato Betamax. Con eso ya me bastó y me sobró, la peli era tan cutrona que no merecía la pena visionarla en una pantalla grande.
Por cierto, os dejo un clip con una de las canciones mencionadas antes que resume dos de los mitos cinematográficos de este genero.

I am a Camara

2008-01-31T13:04:00.000+01:00

De momento no voy hacer alusión a la película de Herny Cornelius (1955) en la que luego se inspiró Bob Fosse para crear Cabaret (1972). Entre otras cosas porque no la he visto y encuentro Cabaret cansina y con unos protagonistas muy poco glamurosos (quien me diga que Michael York, Liza Minelli o Joel Grey tienen “sex appeal” que ve vaya a operarse la vista inmediatamente). No, este título (robado o tomado prestado) quiero hacerlo valer para identificarme con el espectador que soy cuando veo una película o una serie de televisión. Nos guste o no somos cámaras, pasivos, únicamente destinados a captar lo que sucede en la pantalla. Si es cierto que a veces apartamos el enfoque para echar una cabezadita (sobre todo con el panorama cinematográfico actual) Desenfocarse es sano si no queremos impregnar nuestra memoria de recuerdos burdos o absurdos. A veces pienso que mi cerebro tiene un mecanismo de seguridad me sirve para detectar tostones y malas películas y que se activa haciéndome dormir de inmediato. A veces me da rabia que se active, lo reconozco, otras veces lo me cabreo de que no lo haga y tenga que digerir basuras de todos los calibres (filmografía completa de M. Night Shymalan por ejemplo) sea cual sea su presupuesto. Que se le va a hacer, carezco del impulso de irme de los cines a media película (reconozco que sólo lo he hecho dos veces en mi vida) , si me aburro y tengo sueño me duermo en la butaca pero no salgo de la sala. También me ha sucedido a veces poner la cámara en “Stand by” y pasar del argumento para dedicarme a ver imágenes en sucesión y sin parar (prestándoles la más mínima importancia a lo que sucede) dicho fenómeno me ha sucedido con Airbag ( Juanma Bajo Ulloa 1997) y Avalon (Mamushi Oshii 2001) y alguna otra más. Sí lo reconozco, soy una cámara y cada vez mucho más sensible.